AL GREEN - LET'S STAY TOGETHER ( 1972 )

Albert Greene nació en la ciudad Forrest City en el estado de Arkansas, Estados Unidos. Su padre era Robert Greene y trabajaba como mediero, su madre se llamaba Cora.  En 1955, el joven Albert se trasladó con su familia a la ciudad de Grand Rapids en el estado de Míchigan.
Greene empezó su carrera musical cuando tenía nueve años de edad, en un cuarteto conocido como Greene Brothers, en compañía de sus hermanos Robert, Walter y William. Sin embargo, su padre lo expulsó de la agrupación musical debido a que Albert escuchaba la música de Jackie Wilson y porque expresó su interés de iniciar una carrera musical.
En 1964, Greene y sus amigos de la secundaria decidieron formar una banda de pop, a la que bautizaron con el nombre de Creations. El grupo estuvo en vigencia tres años y grabaron algunos éxitos musicales bajo la discográfica Zodiac. No obstante, después de un año de la separación del grupo, los miembros se volvieron a juntar, y esta vez se denominaron Al Greene and the Soul Mates, llegando a obtener gran fama con la canción "Back Up Train", la cual alcanzó la posición 41 en la lista de éxitos de 1968. A pesar de la originalidad y vivacidad de este proyecto musical perteneciente al género rhythm and blues, y producido por la discográfica Hot Line, el álbum no logró buenas ventas.
En 1969, Greene inició su carrera como solista en clubes nocturnos y adoptó el nombre artístico de Al Green. En una de sus presentaciones en Midland, tuvo la oportunidad de conocer al trompetista y vicepresidente de la discográfica Hi Records, Willie Mitchell, el cual después de ver la presentación de Green quedó impresionado y lo invitó a Memphis para que realizaran un álbum musical juntos. Mitchell había predicho el éxito de Green, y lo incentivó a que buscara su propio estilo de voz, en una época en la que el joven artista buscaba imitar a sus ídolos musicales que eran Jackie Wilson, Wilson Pickett, James Brown, y Sam Cooke.En 1970, ambos hicieron su primer álbum titulado Green is Blues bajo la producción de la discográfica a la que Mitchell representaba y que era propiedad del productor Joe Coughi. El álbum tuvo un éxito moderado, y Mitchell se encargó de los arreglos musicales, la ingeniería de audio, y la producción. Mediante este proyecto Green demostró al público su poderosa y expresiva voz, y su siguiente disco fue, Al Green Gets Next To You (1970). Este álbum tuvo un éxito masivo, e incluyó cuatro sencillos de oro, en los que se demuestra la evolución de la voz y el mejoramiento de las composiciones realizadas por Green. Desde el principio, Green estableció un patrón de combinación de sencillos originales y versiones de célebres canciones como “Light My Fire”, “How Can You Mend a Broken Heart?” y “For the Good Times”.
No obstante, obtuvo un mayor éxito con el álbum Let’s Stay Together (1972). En la canción del mismo título, Green refinó su voz alcanzando su más alto falsetto, y esta interpretación a su vez logró convertirse en número uno según la lista de conteo de los 100 sencillos más populares de Estados Unidos, conocida como Billboard Hot 100, durante nueve semanas consecutivas. Asimismo, realizó el lanzamiento del álbum I’m Still In Love With You (1972), y un año más tarde presentó el disco Call Me, que alcanzó una alta popularidad en esa época, siendo considerado por algunos críticos como su obra más importante. En 1974, Green publicó el disco de vinilo Al Green Explores Your Mind, el cual contenía la canción "Take Me To the River", la cual fue versionada años después por la banda Talking Heads, en su segundo álbum titulado More Songs About Buildings and Food.

El 18 de octubre de 1974, Mary Woodson, quien era una pareja sentimental de Green, le pidió matrimonio y el rehusó la propuesta, a pesar de que ella ya estaba casada con otro hombre. La mujer al ver que había sido rechazada, se acercó al cantante mientras el se bañaba y le arrojó una olla con sémola hirviendo en su espalda. Inmediatamente, Green fue hospitalizado, con quemaduras de tercer grado en su estomago, dorso y brazos. Posteriormente al acto de violencia, la mujer se encerró en una habitación en la residencia del interprete en Memphis, donde escribió una nota suicida y con un revólver perteneciente a Green se suicidó
Green canalizó este incidente como una señal de Dios. Seguidamente, se ordenó como reverendo del tabernáculo del pentecostalismo (en inglés Full Gospel Tabernacle, en 1976). Sin embargo, continúo grabando música y vio que las ventas de sus discos bajaron, recibiendo críticas variadas de los comentaristas musicales. Luego, compró una iglesia en Memphis, para poder ejercer como pastor debido a la negativa de varios miembros de la iglesia protestante. Consecuentemente, la religión pasó a ser lo más importante de su vida, aunque sin abandonar su afición al canto.
En 1977 grabó el disco The Belle Album el cual fue aclamado por la crítica, sin embargo no recuperó su antigua audiencia masiva. En 1979, Green sufrió una caída del escenario durante una presentación en Cincinnati, por lo que tuvo que pasar 15 días hospitalizado, y percibió este suceso como un nuevo mensaje de Dios. De esta manera, decidió concentrar sus energías en su iglesia y cantando gospel. Después de tres años, apareció junto a Patti Labelle en un musical de Broadway titulado Your Arms Too Short to Box with God.Su primer álbum de gospel fue The Lord Will Make a Way. Desde 1981 a 1989, Green grabó una serie de discos gospel, ganando ocho premios Grammy en esa categoría. El director cinematográfico Robert Mugge, realizó un documental sobre Al Green titulado Gospel According to Green, el cual incluye varias entrevistas sobre su vida e imágenes de su iglesia
Después de pasar varios años exclusivamente interpretando gospel, Green decidió regresar al estilo musical rhythm and blues. Primero, lanzó un dueto con Annie Lennox, titulado "Put A Little Love In You Heart" (1998) y que fue creado para la banda sonora de la película llamada Los fantasmas atacan al jefe, dirigida por el actor Bill Murray. En 1989, el cantante trabajó con el productor musical Arthur Baker, y escribió la exitosa canción "The Message Is Love".
En el año de 1995 fue incluido en el Salón de la Fama del Rock, y nueve años más tarde en el Salón de la Fama del Gospel. Igualmente, en el 2002, Green recibió un premio grammy por su trayectoria musical llamado Lifetime achievement Award

 Al Green  - Let's Stay Together  ( 1972 )

Tracks :

1- Let's Stay Together
2 - La-La for You
3- So You're Leaving
4- What Is This Feeling?
5- Old Time Lovin'
6- I've Never Found a Girl (Who Loves Me Like You Do)
7- How Can You Mend a Broken Heart?
8- Judy
9- It Ain't No Fun to Me
10- Eli's Game
11-  Listen


AL GREEN




Al Green - Let's Stay Together - Live






Al Green "How can you mend a broken heart" - Live








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J.B. HUTTO - HIGH & LONESOME ( 1993 )

Joseph Benjamin Hutto, uno de los mejores aprendices de Elmore James. J.B. Hutto, un hombre reposado, humilde, con una sonrisa siempre en su cara a no ser que la foto fuera para los discos, entonces la timidez vencía a todas sus demás virtudes. No era un mero imitador, su bottleneck sonaba vibrante, deslizándose a la medida de su propio estímulo musical, compendio que era de todo el blues tradicional que había escuchado. Y no solo de lo que aprendió de Elmore sino de lo que asimilaría o recapacitaría durante ese período en que repentinamente dejó la música a mediados de los años 50, disolviendo su primera formación de los Hawks. ¿Qué pasaría por su cabeza durante esos años, mientras barría la sala de una funeraria, quizás aún pensando en esos temas que dejó grabados en 1954 para el sello Chance, una filial de Chess?
Su reaparición en 1965 fue en el Turner’s, en el southsdide de la ciudad del viento, y bastante cercano a la vivienda de Walter Horton. Rápidamente Pete Welding, el alma mater y fundador del sello Testament le preparó su primera grabación completa, en 1966, poniéndole de acompañantes a Johnny Young, Walter Horton, Lee Jackson y Fred Below para abrir el disco con su interpretación del “Dust My Broom” o haciendo una versión del “Goin’ Down Slow” con la slide y su áspera voz. A raíz de esta grabación les consiguieron un contrato para realizar una gira por California y que debió suspenderse al haber contraído su batería, Frank Kirkland, la tuberculosis. Y tan pronto se hubo restablecido fue Hutto quien se agarró una neumonía. Vicisitudes de la gente del blues.

Y por fin, en la primavera de 1968, el perspicaz Bob Koester, de Delmark, le graba el disco “Hawk Squat”, con diversos músicos que se alternan en las canciones, pero siempre con la base de la batería de Kirkland y el piano de Sunnyland Slim. Herman Hassell, uno de los bajistas y Kirkland serían uno de los pilares de sus nuevos Hawks.
“Hawk Squat” resume toda la herencia musical del blues urbano de Chicago en esos años junto a la esencia de la slide de Hutto, y lo que no es la slide, uno de esos tantos discos de blues que deberían ser considerados como una pequeña joyita musical del género. “Hip Shakin’”, “Speak My Mind”, “Too Late” o “What Can You Get Outside That You Can’t Get At Home” son claro testimonio.

Un buen amigo de Hutto era Hound Dog Taylor, y a la muerte de éste en 1975 J.B. “hereda” de alguna forma a los Houserockers, y aunque nunca se juntaron en un estudio ha quedado grabado para la posteridad un directo en 1977 con Ted Harvey y Brewer Phillips.
J. B. nació en Carolina del Sur el 26 de abril de 1926 y cuando tenía tres años residía en Georgia. Curiosamente vió la luz y se crió en una de las zonas del blues del Piedmont aunque sus derroteros fueron otros. Su primer contacto con la música fue con una banda familiar “The Golden Crown Gospel Singers” compuesta por sus hermanos y hermanas. A la muerte de su padre toda la familia se trasladó a Chicago y allí fue donde entró en relación con Elmore James y con su bottleneck.

Quedan anécdotas para la historia como cuando coincidieron Muddy y Hutto en Providence, Rhode Island (lugar de nacimiento de HP Lovecraft, el autor de los “Mitos de Chtulhu”; me he permitido esta breve reseña literaria). Joseph Benjamin nervioso, tímido, como un niño el primer día de colegio, encontrándose en las escaleras del hotel, y Muddy diciéndole “J.B., ¿cómo estás, chaval?” Ambos estaban ya pasando los cincuenta pero fue un saludo de lo más cariñoso, dejando a J.B. disfrutando uno de sus momentos más felices. Esa noche despidió su actuación con una de sus versiones más incendiarias del “Got My Mojo Working”.
En el año 1979, cuatro antes de fallecer, dejó en un disco “Live At Shaboo Inn” con sus New Hawks, dando muestras de su habilidad y destreza con el tubo en el dedo meñique, marcando un ritmo en ocasiones endiablado, como en los dos últimos temas “Too Much Alcohol” y “Linda Lu” sin descartar “Shake, Rattle & Roll”. Y para guinda, el disco se lo dedica a Elmore James y Hound Dog Taylor
El 26 de abril de este año habían transcurrido 80 desde su advenimiento a la vida y el 12 de junio hará 23 años de su fallecimiento. Siempre se le recordará con sus trajes de color rosa y su sombrero fez, un gorro de fieltro rojo con forma de cubilete, extrayendo lamentos de los trastes de su guitarra. Y su testigo sigue hoy vivo gracias a su sobrino Lil’Ed Williams, que con los Blues Imperials se ha hecho un hueco en el pequeño pero siempre agradecido y estimulante universo de la slide en Chicago, continuadores de la tradición de los Elmore, Nighthawk, Taylor y Hutto.

Fuente : Fuente : http://www.tabernablues.com


J.B. Hutto - High & Lonesome  ( 1993 )

Tracks :

1-High And Lonesome
2-J.b's Boogie
3-Feel So Good
4-Too Much Alcohol
5 -Hide And Seek
6-Laundromat Blues
7-Coo Coo Baby
8-Walking The Dog
9 -Come Back Baby
10-Kansas City


J.B. HUTTO




J.B. Hutto - Summertime ( Live )







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LUTHER JAZZ CLUB : KURT ELLING - LIVE IN CHICAGO

Que tal amigos, hoy abrimos el club para recibir a un gran cantante contemporaneo ,es mas digamos que estamos en presencia de un referente importante del jazz vocal .
Acomodense ,eligan su trago predilecto y disfruten al gran... KURT  ELLING

Nacido en Chicago, Estados Unidos, el 2 de noviembre de 1967, Kurt Elling comenzó su relación con la música cantando en la Iglesia y en los coros de la escuela. En 1989 se gradua en el Gustavus Adolphus College] de St. Peter, Minnesota, para enrolarse en la la "Divinity School" de la Universidad de Chicago, que abandonó en 1992, un año antes de finalizar sus estudios.
En 1995, tras enviar una demo, es contratado por el famoso sello de jazz Blue Note, que le edita su primer disco, titulado "Close Your Eyes". Elling comienza con esta grabación a atraer la atención de la prensa especializada, no sólo por su talento y original estilo, sino por la calidad de sus músicos acompañantes, especialmente el pianista Laurence Hobgood, que se convierte en un elemento imprescindible en la carrera de Elling. En 1997 publica "The Messenger", con un éxito aún mayor de crítica y público. Un año más tarde, contrae matrimonio y publica "'This Time is Love", un álbum que obtiene una nominación al Grammy. Con la entrada del nuevo siglo, Elling edita un disco en directo, "Live in Chicago", que ve su continuación en 2001 con su proyecto más ambicioso y satisfactorio, "Flirting with Twilight". En 2003 publica "Man in the Air" y en 2007 "Nigtmoves", su último trabajo hasta la fecha.
Elling desarrolla además una amplia labor como autor de obras teatrales multidisciplinares para el teatro Steppenwolf de la ciudad de Chicago y es miembro de la National Academy of Recording Arts and Sciences. Ha recibido cuatro nominaciones al Grammy en la categoría "Mejor álbum de jazz vocal" (por "Close Your Eyes", "The Messenger", "This Time It´s Love" y "Nightmoves"), ha sido elegido por tres años consecutivos "Mejor cantante de jazz" por los lectores de las revistas Down Beat y JazzTimes y ha participado en los festivales de jazz más importantes del mundo.

En 2008 su banda estaba  formada, además de por su inseparable pianista Laurence Hobgood, por el contrabajista Rob Armster y el baterista Kobie Watkins, con quienes Elling efectúa conciertos regulares en el club "Green Mill" de Chicago cuando no está de gira.
Kurt Elling está considerado por un amplio número de críticos como el más importante vocalista de jazz del momento. Con una voz de barítono con la que abarca cuatro octavas, Elling hace gala de una técnica asombrosa en sus ejecuciones e improvisaciones, mostrando un dominio técnico absoluto a nivel rítmico, tímbrico, dinámico y de fraseo que lo acerca más al prototipo del instrumentista virtuoso que al de cantante al uso.
Entre sus principales aportaciones figuran sus interpretaciones "vocalese", esto es, el arte de escribir letras a solos improvisados de artistas de jazz. Tras las contribuciones de pioneros como Eddie Jefferson, King Pleasure, y Jon Hendricks, las aportaciones de Elling se sitúan entre las más logradas e impactantes dentro de la técnica, e incluyen frecuentemente referencias a autores Rilke, Marcel Proust o Pablo Neruda. Elling ha escrito letras para famosas improvisaciones de músicos como Wayne Shorter, Keith Jarret, Dexter Gordon, Pat Metheny o Charlie Haden, entre otros.
Las particularidades técnicas y estilísticas de Kurt Elling hacen de él un artista único en su género, pero entre las influencias que el propio Elling admite abiertamente se encuentran el cantante Mark Murphy y el cantante y trompetista Chet Baker.

Kurt Elling - Live In Chicago - 2000

Tracks :

1-Downtown
2-My Foolish Heart
3- Smoke Gets In Your Eyes
4- Oh My God
5- Night Dream
6- (I Love You) For Sentimental Reasons
7- Intro: (Esperanto)
8- Esperanto
9- Don't Get Scared
10- Intro: (Goin' To Chicago)
11- Goin' To Chicago
12- Intro: (The Rent Party)
13- The Rent Party
14- Blues Chaser


KURT ELLING




Kurt Elling - My Foolish Heart ( Live in Montral Jazz Festival )






Kurt Elling - Undun ( Live in Montral Jazz Festival )








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THE PALADINS - LET ' S BUZZ ( 1990 )

Con marcadas raices en el rockabilly esta banda de San Diego California fue fundada en la decada del los ochenta por el guitarrista Dave Gonzalez y el bajista Thomas Yearsley amigos desde la secundaria .
Han grabado nueve albunes de estudio y alcanzaron una alta reputacion como una de las bandas que mas toca en vivo durante la temporada .
Durante la locura del rockabilly en la decada de los 80 contaban entre sus filas con otra guitarra ritmica, alcanzando su primera grabacion en una recopilacion "The Best of L.A. Rockabilly", para el sello Rhino Records. Su primer LP llamado "The Paladins" fue producido por Kim Wilson de los Fabulous Thunderbirds en el años 87 bajo el padrinasgo de Wrestler Records.

Su segundo long play "Years Since Yesterday" ya bajo la tutela de Alligator ,conto  con Steve Berlin (Los Lobos) como productor vendiendo algo mas de 20.000 copias a finales del año 89.
Llegaron a grabar un video en la famosa taverna de "Belly Up Tavern" en Solana Beach, California,por el modico precio de 30.000 dolares ,mientras viajaban por dispares carreteras acompañando el tour del celebre guitarrista de Austin Texas Stevie Ray Vaughan junto a , Los Lobos, The Blasters y The Fabulous Thunderbirds .
En el verano del 89 tambien anduvieron girando por el extranjero ,mas precisamente el viejo continente llevando su explosivo rockabilly con marcadas armonias bluseras .
Ya entrados los noventa editan "Let's Buzz" una mezcla estimulante de rockabilly, blues, rhythm and blues y country ,grabado en Los Angeles en los estudios de la estrella del soul Leon Haywood,quien toco en esa oportunidad los teclados y nuevamente contaron en la produccion a Steve Berlin.

Despues de ganar varios " San Diego Music Awards" continuaron de gira y en esa oportunidad emplearon la particularidad de interactuar  mas con la audiencia llegando a bajarse del escenario para que la gente toque sus instrumentos e intercambiar los mismos entre ellos .
The Paladins ya entrado el 2004 parecia llegar a su fin por la insistencia de Gonzalez en emprender su carrera solista junto a los "Hacienda Brothers".A partir de entonces salen a la luz varios registros en vivo de la banda y un DVD grabado en Holanda y la noticia de que la agrupacion se tomaria una pausa .
Sin embargo se rumorea que en el 2010 se volverian a reagrupar para algunas fechas en el festival de Lessines.


The Paladins-Let's Buzz  ( 1990 )

Tracks :

1- Follow Your Heart
2- Keep On Lovin' Me Baby
3- Let's Buzz
4- I Don't Believe
5- Mercy
6- Untamed Melody
7- What Side Of The Door Am I On?
8- Kiddio
9- The Thing
10- Lawdy Lawdy Miss Mary
11-  Sneakin' Around
12- I've Been Down Before


 Line-up


Dave Gonzalez - Guitar/Vocals
Brian Fahey - Drums
Thomas Yearsley - Bass/Vocals

THE PALADINS




The Paladins - Kiddio ( Live )






The Paladins - Make me feel so good ( Live )












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KATIE WEBSTER - THE SWAMP BOGGIE QUEEN ( 1988 )

Katie Webster fue una institución del blues del sur de Estados Unidos, exponente fiel del blues hecho en los pantanos del estado de Luisiana, logró ser toda una sensación de la escena local en los años 50 y 60 gracias al poderoso sonido de su piano y después tuvo el reconocimiento de los entusiastas del blues en Estados Unidos gracias a sus últimas grabaciones para el sello Alligator.
Kathryn Thorne tuvo que lidiar con unos padres profundamente religiosos, que hicieron todo lo que estuvo a su alcance para impedir que su hija tocara rhythm and blues. Pero la música de Fats Domino y de Little Richard fueron, sencillamente, más persuasivas, y el guitarrista Ashton Savoy se encargó de que ella grabara en 1958 su debut para el sello Kry, un sencillo llamado “Baby Baby”.
Luego de su primera grabación, Katie Webster se convirtió en una importante artista de sesión para los productores J.D. Miller y Eddie Shuler, participando en discos de músicos como Lonnie Brooks, Clarence Garlow, Jimmy Wilson, Lazy Lester y Phil Phillips.
La joven pianista grabó interesantes temas para J.D. Miller  desde 1959 hasta 1961. Luego lideró su propia banda, the Uptighters, al tiempo que pasaba esos días en los estudios de grabación. En 1964 fue invitada por Otis Reeding para abrir un concierto en la ciudad de Lake Charles, en Luisiana. El cantante quedó bastante impresionado con ella, tanto así que durante los siguientes 3 años, Webster abrió sus presentaciones.
Durante los años 70 Katie Webster estuvo, prácticamente, perdida de la música pues decidió encargarse de sus padres, quienes se encontraban en delicado estado de salud. Pero en 1982 participó en una gira de conciertos por Europa, regresando de esta forma a la escena del blues. Su contacto con Alligator Records comenzó en 1988 con ayuda de alto perfil: Bonnie Raitt, Robert Cray y Kim Wilson fueron invitados a participar en “The Swamp Boogie Queen”, su primer álbum para esa importante discográfica. La extrovertida pianista cerró su ciclo con 2 discos más: “Two-Fisted Mama” y “No Foolin’”, antes de sufrir el infarto que se la llevaría de este mundo el 5 de septiembre de 1999, a los 63 años de edad.

Fuente :  http://historiasdelblues.wordpress.com  ( Unos amigos de la casa )


Katie Webster - The Swamp Boggie Queen  ( 1988 )

Tracks :

1- Who's Making Love?
2-Sea Of Love
3-Black Satin
4-After You Get Rid Of Me
5-Fa-Fa-Fa-Fa-Fa (Sad Song)
6-No Bread, No Meat
7-Whoo-Wee Sweet Daddy
8-Try A Little Tenderness
9-Hold On To What You Got
10-Somebody's On Your Case
11-On The Run
12-Lord, I Wonder


KATIE WEBSTER



KATIE WEBSTER ; A Little Meat On The Side ( Live )






Katie Webster - Came Home This Morning







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LOS LOBOS - LIVE AT THE FILLMORE ( 2005 )

Los Lobos es una banda de rock creada por hijos de inmigrantes mexicanos asentados en Los Ángeles (California), cuyas influencias provienen del rock and roll, el tex-mex, la música country, el folk, el rhythm & blues, el blues, la cumbia, el son caribeño y la música tradicional mexicana, como los boleros y los norteños.
La banda surge en los años sesenta, su trabajo se centra en esa época en interpretar éxitos del momento. Es a partir de los años setenta cuando comienzan a fusionar la música tradicional mexicana con los nuevos ritmos y sonidos rockeros, siendo determinante en su carrera la inclusión de la canción La Bamba en la película del mismo título que narra la historia de Ricardo Valenzuela, más conocido como Ritchie Valens . La consagración definitiva de este grupo llega en 1983, con el disco, Anselma, disco con el que conseguirían el Grammy en 1984.
Lanzaron un EP independiente en los años setenta, y un EP en el año 1983.

 Los Lobos     -  Live at the Fillmore     ( 2005 )

Tracks :

1-Good Morning Aztlan
2-I Walk Alone
3-Maria Christina
4-Charmed
5-Luz de Mi Vida
6-Rita
7-Neighborhood, The
8-Maricela
9-Tears of God
10-Viking
11- How Much Can I Do?
12-Kiko and the Lavender Moon
13 - Cumbia Raza
14-What's Going On

Personnel:

 David Hidalgo (vocals, guitar, violin, accordion, percussion)
Cesar Rosas (vocals, guitar)
Conrad Lozano (vocals)
Vincent Hidalgo (guitar)
Steve Berlin (saxophone, keyboards)
Victor Bisetti, Cougar Estrada (drums, percussion)


LOS LOBOS  ( Parte 1 )


LOS LOBOS  ( Parte 2 )



Los Lobos - Mas y mas ( Live )






Los Lobos - What's Goin' On-Don't Worry Baby ( Live )









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LUTHER JAZZ CLUB : Jazz Singer's

Hace un tiempo nos rondaba por la cabeza la idea de tener cantantes de jazz  en un determinado dia de la semana y pensamos que mejor que el sabado como para empezar .
El Luther Jazz Club  los invita a todos ustedes a visitar este reducto en donde desfilaran interpretes clasicos de todas las epocas ,como asi tambien  de variadas corrientes musicales que alguna ves hayan coqueteado con el jazz .No faltaran las orquestas de big band ,los standars y la bossa nova .
Estan todos invitados , resta elegir sus tragos preferidos y disfrutar de una noche a puro jazz singer's
Esta noche nos visita en el club lady's & gentleman  ; Miss ... ETTA JONES

ETTA JONES - MY MOTHER'S EYES ( 1977 )

    Etta Jones (1928-2001) cantante muy prolífica y activa, tuvo la virtud de matizar en su canto, el arte de Billie Holiday, la influencia blusera de Dinah Washington, y la voz de Thelma Carpenter, lo que confirió a su voz de registro pequeño y agradable, una suave aspereza.
     A los dieciséis años empezó su carrera profesional con la orquesta de rhythm and blues de Buddy Johnson y el pianista, Leonard Feather. Este ultimo, crítico además de jazz, le llamó para que grabara una serie de blues para el sello "Black & White" con un grupo liderado por el clarinetista Barney Bigard. Al igual que le pasó a otras cantantes famosas (Nancy Wilson, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, etc) ganó el concurso de cantantes en el Teatro Apollo de Harlem en 1945. En los dos años siguientes estuvo trabajando en el club "Onyx" de la Calle 52 en New York, con excelentes formaciones dirigidas por el pianista, Luther Henderson.
     Entre 1949 y 1952, cantó con el sexteto  del pianista, Earl Hines y en 1960, tras algunos años desaparecida de los estudios, graba con "Prestige", el magnifico álbum titulado: "Don't Go To Strangers" con un quinteto en el que sobresalen, Frank Wes o Roy Haynes. Con "Prestige" está hasta 1963 y su paso por este sello deja para la gloria, sus colaboraciones con Oliver Nelson. En 1965, firma contrato con el sello, "Roulette" y se estrena con un disco mediocre con el guitarrista, Kenny Burrell. Su etapa en este sello no deja grandes obras, y en 1976 se enrola en el sello "Muse" donde en todos sus discos el director musical es su amigo, el saxofonista, Houston Person. Es destacable, el homenaje a Billie Holiday en su disco de 1987 titulado: "Fine and Mellow", y el disco dedicado a las composiciones de Buddy Johnson en 1998 para el sello "Hignote" y titulado: "My Buddy: Songs of Buddy Jonson".

 Etta Jones nació el 5 de noviembre de 1928 en Aiken South Caroline y muere el 16 de octubre de 2001 en Mount Vernon NY de cáncer.
Durante 35 años, formó un dueto con el saxofonista tenor Houston Person, al grado de que los creían esposos. Etta nunca llegó a estar entre las galaxias como Billie Holiday, Dinah Washington o Aretha Franklin, pero es una voz esencial en el jazz contemporáneo. Ella siempre fué sencilla. Decía: " Todo lo que deseo es hacer mi trabajo, tener un salario decente y tener amigos."


Etta Jones - My Mother's Eyes - 1977

Tracks :

1-The Way You Look Tonight
2-Don't Misunderstand
3-Be My Love
4-You Do Something To Me
5-My Mother's Eyes
6- The Girl's In Love With You
7-Gloomy Sunday

Personnel:

Etta Jones (vocals)
Houston Person (tenor saxophone)
Sonny Phillips (keyboards)
 George Devens (vibraphone)
Jimmy Ponder (guitar)
Rufus Reid (bass)
Idris Muhammand (drums)
Lawrence Killian (congas, percussion)


ETTA JONES




Crazy He Calls Me ...... Etta Jones






I Thought About You ..... Etta Jones






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EDGAR WINTER - ENTRANCE ( 1970 )

Edgar Winter es un músico ecléctico. Lo cual no quiere decir que ande disperso de un estilo a otro sin profundizar en ninguno, sin claridad de ideas. Su eclecticismo es fruto de su pasión por la Música –así, con mayúscula–, de su coherencia y cultura musicales. Blues, jazz, rock: esa es su santa trinidad.
Tres géneros que no necesitan ningún esfuerzo para mezclarse porque son inseparables. Winter lo expresa muy bien con la metáfora del árbol de la música, donde el blues es la raíz mientras el jazz y el rock (con sus consecuencias: rhythm & blues, pop, soul, fusión, funk, etc.) forman las ramas y hojas que se alimentan de ella. Por eso, a pesar de haber tocado todos estos palos en su larga carrera, Edgar Winter es fundamentalmente un bluesman.
En el mundo, exceptuando los buenos aficionados, Edgar Winter es más conocido por la anécdota de su pelo blanco o su hermano, el guitarrista Johnny Winter, que por su amplia producción musical. Aunque, bien mirado, quizás su condición de albino no sea tan anecdótica, tal vez paradójicamente sea eso lo que le permite sentir el blues como sólo los “diferentes” –negros o albinos– pueden hacerlo. Es posible que algún “anciano” todavía recuerde su explosiva y magistral versión del clásico Tobacco Road, acrobacias vocales incluidas.
El artista texano de blues Edgar Winter es compositor e instrumentista de saxofón y de teclado. En su fase más prolífica, Winter lanzó aproximadamente un álbum por año durante la década de los 70. Trabajó con varios géneros incluyendo el rock y el blues. Su primera banda fue un conjunto  llamado White Trash. Más tarde, junto con Ronnie Montrose y Chuck Ruff, formó The Edgar Winter Group y grabó el éxito número uno \"Frankenstein\" y el sencillo \"Free Ride\". Sus álbumes incluyen \"Entrance\", \"White Trash\", \"They Only Come Out at Night\" y \"Shock Treatment.

Edgar Winter - Entrance ( 1970 )

Tracks :

1- Entrance
2- Where Have You gone
3- Rise to Fall
4- Fire and Ice
5- Hung Up
6- Back in the Blues
7- Re-Entrance
8- Tobacco Road
9- Jump Right Out
10- Peace Pipe
11- A Different Game
12- Jimmy' Gospel

Personnel

Edgar Winter - Organ, Producer, Vocals, Sax (Alto), Saxophone, Piano
Johnny Winter - Guitar, Harmonica, Vocals
Randal Dolanon - Guitar
Gene Kurtz - Bass
Tommy Shannon - Bass
"Uncle" John Turner - Drums
Jimmy Gillen - Drums
Ray Alonge - Horn
Earl Chapin - Horn
Brooks Tillotson - Horn
Paul Gershman - Strings
Emanuel Green - Strings
Ralph Oxman - Strings


EDGAR WINTER




Edgard Winter - Tobacco Road - 1972













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BILL WITHERS - LIVE AT THE CARNEGIE HALL ( 1973 )

William Harrison "Bill Withers Jr. nacio un 4 de julio de 1938 en West Virginia EEUU .A los 18 años se alisto en la marina de su pais para luego servir por nueve años en los cuales se intereso por escribir y cantar canciones ,despues de un tiempo se traslado a Los Angeles para comenzar su carrera musical .
Consiguio un trabajo como montador para varias empresas ,alternando con actuaciones en algunos clubs de mala monta y costeandose con su dinero la grabacion de sus demos.
Cuando grabo su exito "Ain't no sunshine" se nego rotundamente a renunciar a su trabajo en la empresa Douglas Aircraft Corporation alegando que el negocio de la musica era inestable y que aun el era un novato para estas correrias.
A principios de los 70 firma para Sussex Records bajo la supervicion como productor de Booker T. Jones ,el trabajo se lanzo en 1971 con el nombre "Just as I am" con los temas Ain't no sunshine y Grandma's hands como singles y tambien conto con la participacion de Stephen Stills en las guitarras.
El disco fue un exito y llevo a Withers a comenzar una gira por todo el pais ,ademas de ganar el premio Grammy como mejor cancion de R&B .
Despues de un tiempo y sacar a la luz su segundo trabajo discografico "Still Bill" y casarse con la actris Denisse Nicholas se dio un tiempo para componer y producir canciones para Gladys Knight .
En 1974 participo en Zaire del famoso festival de musica realizado como antesala de la pelea de box entre Ali/Foreman  . En 1975 firma para Columbia Records y lanza un disco cada año ,a partir de 1977 se concentra en proyectos conjuntos con el saxofonista de jazz Grover Washington Jr.
Gana su segundo Grammy en 1982 con la cancion "Soul shadow" y en 1985 con "Watching You, Watching Me"termina su estadia en Columbia .
Siguiendo en el tiempo Bill Withers consiguio muchos mas premios y nominaciones ,pero sin lugar a dudas lo que mas lo reconforto fue la admiracion de sus colegas ,hasta tal punto que el mismisimo Mick Jagger reversiono "Us me" en uno de sus trabajos en solitario.
Ultimamente este prestigioso artista de musica soul ha permanecido por unos cuantos años en el anonimato hasta que la Sony saco a la luz esta recopilacion con sus mas grandes exitos ,mas el agregado de que Quentin Tarantino incluyera varias canciones suyas en sus peliculas .


 Bill Withers Live at Carnegie Hall  ( 1973 )

Tracklist: :

1-Use Me
2-Friend of Mine
3-Ain’t No Sunshine
4-Grandma’s Hands
5-World Keeps Going Around
6-Let Me in Your Life
7-Better off Dead
8-For My Friend
9-I Can’t Write Left Handed
10-Lean on Me
11-Lonely Town, Lonely Street
12-Hope She’ll Be Happier
13- Let Us Love
14-Harlem/Cold Baloney


BILL WITHERS



Bill Withers - Ain't No Sunshine






Bill Withers - use me






Bill Withers - Lean On Me (Live) From a 1973 BBC concert









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BUDDY GUY - LIVE AT THE CHECKERBOARD LOUNGE ( 1979 )

George \"Buddy\" Guy (30 de julio, 1936) es un guitarrista y cantante de blues estadounidense. Es conocido por ser un innovador de la guitarra, dentro del Blues de Chicago y es una de las mayores influencias para muchos guitarristas, como Jimi Hendrix, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan, por nombrar a algunos. Ganó cinco veces un Premio Grammy
Guy aprendió guitarra utilizando un diddley bow que el mismo construyó. A medida que iba aprendiendo a tocar, un familiar le regaló una guitarra acústica, que ahora forma parte de la exposición de la Rock and Roll Hall of Fame.
A principios de la década de 1950, empezó tocando en bandas de la zona de Baton Rouge, Louisiana. En 1957 se mudó a Chicago a probar suerte. Muddy Waters lo vio tocar y lo tuvo como colaborador part-time. En 1958, en una competencia de jóvenes promesas organizada por los guitarristas del West-Side, Magic Sam y Otis Rush, Guy fue ganador del certámen, haciéndose acreedor a un contrato de grabación
Buddy Guy ha cambiado la historia del blues eléctrico con su estilo poderoso y su punteo agresivo. Lleva la música a lo más extremo, utilizando desde la distorsión hasta las notas más salvajes y retorcidas.
Un músico de blues al que le gusta el jazz y con un enorme talento para el R&B. Guy ha influido en toda una generación de músicos amantes del blues como Eric Clapton (que interviene como invitado en sus últimos discos) Steve Ray Vaughn o Jimi Hendrix y ha tocado con The Rolling Stones y grabado con Carlos Santana. Buddy es actualmente, sin ninguna duda, el número uno del blues en el mundo y ha ganado cinco premios Grammy y 23 premios de blues William Christopher Handy, algo que ningún músico ha conseguido hasta el momento.
Según Eric Clapton: “Él representa para mí lo que Elvis para otras personas. Mi trayectoria estaba definida y él fue mi modelo a seguir”.


Buddy tiene la increíble capacidad de ir de un espectro a otro. Puede tocar con el silencio más silencioso que jamás hayas oido ¡y también puede tocar de la forma más ruidosa que jamás hayas oido!. Yo acostumbro tocar fuerte, la mayoría de las veces, pero los tonos de Buddy son sencillamente increíbles... ¡el puede ponerle tanta emoción usando tan poco volumen!
Stevie Ray Vaughan


Buddy Guy - Live at the Checkerboard Lounge  - Chicago 1979

Tracks :

1-Buddy's Blues: Part One
2-Done Got Over You
3- I've Got A Right To Love My Woman
4- Tell What's Inside Of You (Version 1)
5 - The Things I Used To Do
6 - The Dollar Done Fell
7 - Buddy's Blues: Part Two
8 - Get Up Get Down
9 - Don't Answer The Door
10 - Tell Me What's Inside Of You (Version 2)


BUDDY GUY




Buddy Guy - Money (Thats What I Want) - LIVE




Buddy Guy Band - Hootchie Coochie Man - LIVE




The Rolling Stones & Buddy Guy - Champagne & Reefer - LIVE






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BLACK SNAKE MOAN - OST ( 2007 )

Una chica blanca ninfómana es prisionera de un anciano blusero negro, quien encadena a la joven para curar su enfermedad de adicción al sexo. Y sí, el cuento se desarrolla en un pueblo de sur de los Estados Unidos.
Esta película es una de las mejores historias de amor que se han hecho en los últimos años y fue estupendamente escrita y dirigida por Craig Brewer, quien se destacó recientemente con el film Ritmo de un Sueño (Hustle & Flow) que se llevó el Oscar a la mejor canción (It´s Hard Out Here for a Pimp) en el 2006.
En ese film Brower narraba la historia de un proxeneta que lucha por convertirse en DJ. La película era sobre el Hip -Hop.

En El Lamento de la Serpiente Negra (Black Snake Moan), cuyo título se basa en la clásica canción de Blind Lemon Jefferson de 1927, el director se mete con el mundo del blues.
Lo más impactante de esta película es que uno tiene la sensacion que la trama que se cuenta es un blues que cobró vida en el cine. Todos los elementos clásicos que son moneda corriente en los temas de este estilo, como el amor, el sexo y la redención fueron excelentemente trabajados por el director de este cuento genial.
Los bluseros van a quedar fascinados con la película porque Brewer retrató a la perfección el alma de esta maravillosa música. Christina Ricci, que por cierto está muy sexy en este film, hace una pareja excelente con Samuel L. Jackson, quien brinda uno de sus mejores trabajos actorales. Es realmente increible que aprendió a tocar la guitarra para esta película. Cuando lo vemos en la pantalla parece que se hubiera dedicado a la música toda la vida y es él el que interpreta los temas!
Otra sorpresa es Justin Timberlake, que la verdad está muy bien en la historia y no hace papelones.

A lo largo de la trama hay muchísimas referencias al blues de Mississippi y la banda de sonido está plagada de temas de Son House, los Black Keys, Bobby Rush y Charley Musselwhite, un grosso de la armónica, que participó de la música incidental.



Titulo original:Black Snake Moan
Año: 2007
Director: Craig Brewer
Reparto: Samuel L. Jackson, Christina Ricci, John Cothran Jr., Justin Timberlake, S. Epatha
Merkerson, Brandon Raines, Michael Raymond-James, Leonard L. Thomas
Guión: Craig Brewer
Música: Scott Bomar
Productora: Paramount Vantage
Género: Drama

Black Snake Moan OST (2007)

Tracks:

1- Opening Theme   / Scott Bomar
2- Ain't But One Kind Of Blues  / Son House
3- Just Like A Bird Without A Feather  /  Samuel L Jackson
4- When The Lights Go Out / The Black Keys
5- Standing In My Doorway Crying / Jesse Mae Hemphill
6-  Chicken Heads / Bobby Rush
7-  Black Snake Moan / Samuel L Jackson
8- Morning Train / Precious Bryant
9- The Losing Kind / John Doe
10- Lord Have Mercy On Me / Outragious Cherry
11- Ronnie and Rae's Theme / Scott Bomar
12-  The Chain / Scott Bomar

13- Alice Mae / Samuel L Jackson

14- Stack-O-Lee / Samuel L Jackson

15- Old Black Mattie / R.L. Burnside

16- That's Where The Blues Started / Son House

17- Mean Ol' Wind Died Down / North Mississippi Allstars


EL LAMENTO DE LA SERPIENTE NEGRA



Samuel L._Jackson - Stack-O-Lee (Black Snake Moan)







Black Snake Moan-Samuel L. Jackson










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PINETOP PERKINS - LIVE AT 85 ( 1999 )

Nacido como Joseph William Perkins el 7 de julio de 1913, ‘Pinetop’ Perkins es uno de los grandes supervivientes del blues auténtico del Mississippi. A sus 96 años, Pinetop pertenece al pequeño grupo de bluesmen que siguen en activo, sacando discos y actuando en directo.
Pinetop Perkins es conocido, sobre todo, por haber formado parte de la banda de Muddy Waters en la que entró en 1969 sustituyendo a Otis Spann. Perkins se quedó con Muddy hasta el año 81 incluyendo las participaciones  en los célebres discos de retorno de Waters: Hard Again (1977) y I’m Ready (1978). Con un estilo notablemente distinto al de Otis Spann, Perkins se convirtió en una “figura legendaria por ser el mayor del grupo”  y continuar con la tradición clásica del piano sureño. Mientras que Otis Spann había desarrollado un estilo de piano más moderno a partir de la influencia de Big Maceo, el sonido de Perkins estaba basado en el boogie-woogie y el barrelhouse.

Pinetop nació en Belzoni (Mississippi) en el año 1913 y empezó tocando la guitarra hasta que una herida causada en una pelea con una corista le hizo pasarse al piano. A partir de ahí, estuvo actuando como músico durante los años 30 y 40 en la zona del delta del Mississippi. Pasó tres años junto el cantante y armonicista Sonny Boy Williamson II con el que participó en el programa de radio King Biscuit Time de la KFFA, estuvo de gira con Robert Jr. Lockwood y con Robert Nighthawk con quien llegó a viajar a Chicago para grabar con él para Chess Records. Era 1948, el año en que Muddy Waters iba a empezar a ganar cierta popularidad con la grabación de I can’t be satisfied y Little Anna Mae pero Pinetop todavía no estaba preparado para la gran ciudad industrial. Volvió al sur y tras una breve colaboración con B.B. King, recorrió estados junto al genial guitarrista Earl Hooker durante la década de los 50. En el 53 grabó el tema mencionado, Pinetop’s boogie woogie, para Sun Records. Sam Phillips, fundador de Sun, se hizo famoso por ser el “descubridor” de Elvis pero antes de grabarle a él, se dedicó a grabar a músicos de country y bluesmen como Howlin’ Wolf y el propio Pinetop Perkins. No resulta nada raro que fuese así ya que el blues, y específicamente el boogie woogie es el principal antecesor del rock ‘n’ roll -si es que de verdad son géneros distintos-. Perkins siguió su andadura musical junto a gente como Ike Turner y Boyd Gilmore y a finales de los sesenta volvió a Chicago para reunirse otra vez con Earl Hooker. Esta estancia en la ciudad del blues eléctrico sí fue definitiva para Pinetop Perkins que a los pocos meses entró en la banda del principal bluesman de la ciudad, Muddy Waters. Pinetop, que ya tenía 55 ó 56 años,  gozó entonces de su periodo de mayor popularidad así como de trabajo en una formación estable. Pinetop tuvo la difícil papeleta de sustituir a Otis Spann pero aportó su propio sonido y la experiencia de haber trabajado durante tantos años.
Curiosamente, la carrera de Pinetop Perkins ha ido de menos a más en cuanto a producción discográfica. Abandonó la banda de Waters en 1980 y formó The Legendary Blues Band junto a Willie “Big Eyes” Smith, Louis Myers, Calvin Jones y Jerry Portnoy. Más tarde, empezó a grabar como líder en las sesiones  y se convirtió en un músico habitual en festivales, programas y noticias. A partir de ahí, recogemos las palabras de su página web, “es ciertamente irónico que Pinetop esperara a cumplir los 80 para florecer como líder publicando 15 discos en 15 años empezando en 1992.”  Aunque recientemente se ha publicado también el dvd Born in the Honey que repasa la historia del pianista, Pinetop Perkins & Friends es su último trabajo de estudio. Se trata de un disco de blues fantástico en el que Pinetop hace su propia versión de 10 clásicos rodeado de colaboraciones: Nora Jean Bruso, Eric Clapton, Paul Diethelm, Willie Kent, B.B. King, “Little Frank” Krakowski, Eric Sardinas, Kenny Smith, Kester Smith, Leon Smith, Willie “Big Eyes” Smith, Bob Stroger, Jimmie Vaughan y Bill Willis.

Fuente :http://corrientedetransito.wordpress.com

Pinetop Perkins - Live at 85 ( 1999 )

Tracks :

1-Chicken Shack
2-Just A Little Bit
3-High Heel Sneakers
4-Look On Yonder's Wall
5-How Long
6-Down In Mississippi
7-Ida B.
8-Kidney Stew
9-Hoochie Coochie Man
10-Hold It

Grabado durante los  festejo de sus jovenes  85 años en el Tierney's Tavern  de  New Jersey  el dia 4 de julio de 1998 .

Personnel:

  Pinetop Perkins (vocals, piano)
  George Kilby Jr. (vocals, guitar)
  Tim Clark (tenor saxophone)
  Donnie C. Castellow (baritone saxophone)
  Lee Marvin (bass)
  Eric Halvorson (drums)


PINETOP PERKINS




Pinetop Perkins - "Chicken Shack" - on Woodsongs Radio Hour ( Live )






Pinetop Perkins - "Got My Mojo Working" - on Woodsongs Radio Hour ( Live )








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