DARRYL HALL & JOHN OATES - LIVE AT THE APOLO ( 1985 )

Este post esta dedicado a mi amigo Midas del blog  EXQUISITECES ,que gracias a sus valiosos aportes nos acerca a los añorados 80 ,como asi tambien nos mantiene actualizado de las distintas vertientes musicales que van apareciendo de tanto en tanto .
Que lo disfrutes che !


Daryl Hall y John Oates se conocerían en 1967 durante una batalla de bandas en la Universidad de Temple, Hall formaba entonces parte de la banda Gulliver y Oates de los Masters. Las disputas entre los fans de ambas bandas derivarían en serios incidentes que obligarían a sus integrantes a escapar. Es en este momento en que casualmente Hall y Oates se refugiarían en el mismo ascensor, lo que los llevaría no solo a una larga amistad sino además, al descubrir que tenían conicidencias en sus proyectos musicales, a formar una nueva banda en conjunto.
Su trabajo pronto llamó la atención de los ejecutivos de Atlantic Records quienes los contratan, grabando para este sello su primer disco titulado "Whole Oats" en 1972, el cual no tuvo repercusión. En 1973 aparece "Abandoned Luncheonette", con los mismos resultados. Este disco contiene el tema "She's Gone" tema compuesto por Hall, inspirado por la ruptura con su esposa, el tema sería más adelante uno de los clásicos de la banda y su éxito sería reeditado por el grupo Tavares.
En 1974 se edita el álbum "War Babies", el cual repetiría la escasa repercusión de los discos anteriores de la banda, cuestión que llevaría a Atlantic Records a despedirlos de la compañía, lo cual pese a todo no los desalentó. En 1975, la compañía RCA los contrata editando ese año el álbum "Daryl Hall and John Oates". Este disco constituye el primer éxito masivo del dúo. En este álbum aparece la balada "Sara Smile", escrito por Hall para su pareja y colaboradora Sara Allen, con el cual por primera vez llegan a los US Hot Ten (4º lugar). Sin embargo es el álbum "Bigger Than Both Us", publicado en 1976, el que los lanza a la fama mundial y definitiva, este álbum llega a la categoría de los multiplatino y su éxito eleva a los demás discos de la banda a la categoría de oro (el tema "She´s Gone" llegaría a consecuencia de este fenómeno al 7º lugar del ranking). "Bigger Than Both Us" contiene el tema "Rich Girl", que constituye el primer n.º 1 en la historia de la banda. El segundo single de este disco "Do What You Want You Are", no solo es una expresión del dominio del R&B en el trabajo del dúo, sino además una sólida demostración de la calidad vocal de Hall.
Sin embargo, el éxito de "Bigger" no sería permanente, los restantes álbumes de la banda en los setenta no lograrían repercusión y constituirían un fracaso sus aspiraciones. De esta época destaca el álbum "Livetimes", el primer registro en vivo de la banda donde queda en evidencia la calidad vocal e instrumental de la misma y la importancia que Hall y Oates daban a sus presentaciones en vivo.
En 1980, Hall y Oates deciden dar un giro en su trabajo y por primera vez asumen la producción de sus álbumes. Es de esta forma como sale a la venta "Voices", uno de los trabajos más exitosos del grupo que llega nuevamente a la categoría multiplatino y que aporta el hit "Kiss on My List" el segundo número uno de la banda. Otros dos temas del disco "How Does It Feel to be Back" y "You've Lost That Lovin' Feelin" (este último un cover de la banda Righteous Brothers) llegarían a los hot 100 y además se repetiría el mismo efecto que con "Bigger", los demás discos de la banda alcanzan también a la categoría de oro.
En "Voices" aparece también el tema "Everytime you go away", que se convertiría en n.º 1 con la voz del cantante inglés Paul Young en 1985."Voices" sería además el primer disco de la banda reconocido masivamente a nivel mundial y sería el comienzo de la época dorada de la banda donde literalmente todo lo que grababa se convertía en éxito masivo.
En 1981 Hall & Oates lanzan el álbum "Private Eyes" otro multiplatino que superaría el éxito de todos sus álbumes anteriores. Este disco contiene los n.º 1 "Private Eyes" y " I can't go for that" y de los top 10 "Did it in a minute". El éxito de este álbum lleva a Hall & Oates a la nominación al Grammy y a obtener por primera vez en 1982 el American Music Award a la banda más popular. La seguidilla de éxitos continuaría en 1982 con el álbum "H2O", también multiplatino y que contiene el tema "Maneater", el cual es considerado el tema más exitoso de la banda, el cual se mantuvo por cuatro semanas en el n.º 1 de Hot 100. "H2O", contiene además los Hot 10 "One on One" y "Family Man". Nuevamente Hall & Oates ganan en 1983 el American Music Award por segundo año consecutivo. A estas alturas el sello de los álbumes de Hall & Oates estaba marcado, la fortaleza vocal de Hall unido a los coros de Oates y al trabajo de los músicos de la banda, todos escogidos dentro de los más selecto del mercado de músicos de sesión y todos con voces más que aceptables, hacen del sonido de Hall & Oates comercial pero sumamente agradable al oído. Hall muestra en particular una extraordinaria destreza vocal a la hora de pasar con extrema facilidad de un tono a otro.
En 1982 Hall & Oates se embarcarían en el tour mundial "Rock And Soul Live", cuya presentación en Montreal sería llevada al video y donde se exhibe plenamente la calidad de la banda.
A fines de 1983 el dúo lanza el álbum "Rock and Soul Part I", que es una recopilación de los grandes éxitos de la banda más dos temas inéditos "Say It Isn't So", que llegaría el n.º 2 de los Hot 100 y "Adult Education", n.º 8, un tema orientado al funky. En abril de 1984 la Recording Industry Association of America declara que Hall & Oates han superado a los Everly Brothers y se han transformado en el dúo más exitoso de la historia de la música. Este éxito sería confirmado por el álbum "Big Bam Bum", realizado a mediados de 1984, y que contiene el n.º 1 "Out Of Touch", el Hot 10 "Method Of Modern Love" y los Hot 100 "Some Thigns Are Better Left Unsaid" y "Possession Obsession". Los dos últimos álbumes alcanzarían nuevamente el estatus de multiplatino y nuevamente la banda logra en 1984 obtener por tercera vez consecutiva el American Music Award a la banda más popular. Ese mismo año Hall & Oates participan en el álbum "Usa for Africa".
A esas alturas tanto Daryl Hall y John Oates, millonarios gracias a las utilidades de sus álbumes y literalmente reconocidos en todo el mundo, comenzaron a reevaluar sus carreras. Lo habían logrado casi todo luego de un trabajo incesante y de constantes presiones por mantenerse en el ranking. De alguna forma comenzaron, especialmente Hall, a sentir la necesidad de hacer un giro en estilo, es en este marco que luego de descubrir que producir un nuevo álbum, bajo los estándares de los trabajos anteriores, no les resultaba satisfactorio, decidieron separar caminos. En 1985 Hall & Oates publican el álbum en vivo "Live At The Apollo" en el cual, junto con interpretar algunos de sus éxitos, homenajean a dos de sus ídolos del conjunto negro The Temptations, David Ruffin y Eddie Kendrick (este disco sería al mismo tiempo editado en video), con ellos emprenden una gira que culmina en el recital Live Aid. Lo que sus fanáticos no sabían era que esta era una gira de despedida, una vez términada Hall & Oates se separan...


Darryl Hall & John Oates - live at the apolo 1985

Tracks :


1-Get ready/Ain t too proud to beg/The way you do the things you do/My girl- Medley
2-When something is with my baby
3-Everytime you go away
4-I can t go for that/no can do
5-One on one
6-Possession obsession
7-Adult education


HALL & OATES



Hall & Oates - Adult Education (live at the Apollo)




Daryl Hall and John Oates - Everytime You Go Away ( live)




Hall & Oates- Possession Obsession - Live in Tokio 1988






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LUTHER JAZZ CLUB : SHEILA JORDAN - PORTRAIT OF SHEILA ( 1962 )

Que tal amigos y habitues del club ,en esta noche y como todos los sabados abrimos el local para deleite de propios y extraños . En esta noche nos honra la presencia de una exquisita dama del jazz ,una autentica cantante que influencio a mas de una luminaria del jazz woman en la actualidad ,nos referimos a la señora Sheila Jordan que con sus juveniles ochenta años todavia aun hoy gira por al algun que otro escenario del mundo dando catedra en lo suyo .Por eso y muchas cosas mas el Luther Jazz club no podia ser la excepcion .
Sin mas palabras que añadir solo me queda  decir que como siempre ocupen sus respectivos lugares y ordenen sus tragos preferidos y aprestensen a pasar una agradable velada .
Un abrazo a todos

 Sheila Jordan (Detroit, 1928) siempre estuvo comprometida con la música y la cultura negra, lo que siendo blanca, le ocasionó graves problemas con los prejuicios raciales en los Estados Unidos. Desde muy joven trabó estrechos lazos con el pianista, Tommy Flanagan , un músico muy proclive a acompañar a las cantantes de jazz , con el guitarrista, Kenny Burrell, con el magnifico pianista, Barry Harris, y el circulo boppers de Detroit.      Empezó a cantar informalmente con un trío y allí conoció a Charlie Parker, cuya amistad fue determinante para que se instalase en New York en 1950. Inmersa en los círculos jazzisticos de la Gran Manzana, Charles Mingus, le aconsejó que adiestrara su voz con el pianista, Lennie Tristano. Con Tristano estuvo dos años (1950-1952) fundamentales para su formación; Tristano le enseñó, teoría, armonía, cantar de oído y leer música a primera vista. En 1952, se casó con Duke Jordan , de quién adquiriría su apellido para siempre  pianista en 1947 del quinteto de Charlie Parker, y con el nacimiento de su primer hijo, se  retiró de los escenarios durante una buena temporada, hasta que George Russell se acordó de ella.
 Con  el sexteto de Russell, Sheila Jordan, grabaría para Riverside en 1962, un disco que conmocionó el jazz vocal con sus arreglos e interpretación. El propio Russell, convence a los productores del sello Blue Note, para que hicieran una excepción con su política de no grabar cantantes y Sheila Jordan, tuvo el privilegio de ser la primera cantante de jazz de grabar un disco para este vanguardista sello jazzistico. El resultado fue un excepcional álbum titulado "Portrait of Sheila" que está considerado como uno de los discos de jazz vocal mas importantes de toda la historia de esta música. Incomprensiblemente y a pesar de ese magnifico disco, Sheila Jordan, no volvió a grabar un disco hasta pasados doce años de aquel acontecimiento.
Fue en 1975, cuando volvió a pisar un estudio de grabación para grabar "Confirmation" un álbum que corroboraba su calidad y confirmaba que su estilo había madurado magníficamente. Era el inicio del reconocimiento de critica y publico e incluso de sus propios compañeros músicos. Su actividad discográfica no cesó desde entonces y se asoció con varios pianistas de categoría, primero con Kenny Barron donde dejó un magnifico álbum titulado "The Crossing" en 1984 para el sello Black Haw, y después con el elegante pianista, Steve Khun, con quién todavía en pleno siglo XXI, actúa en giras, conciertos y festivales de jazz, en una fantástica demostración de arte jazzistico.
A sus  82  años casi cumplidos, esta extraordinaria cantante de jazz, es la depositaria casi única del legado original del bebop; un tesoro musical vivo en el jazz vocal femenino, como Jimmy Scott, lo es en el masculino.



 Sheila Jordan - Portrait of Sheila 1962



 Tracks :

1. Falling in Love With Love
2. If You Could See Me Now
3. Am I Blue
4. Dat Dere
5. When the World Was Young
6. Let's Face the Music and Dance
7. Laugh, Clown, Laugh
8. Who Can I Turn To?
9. Baltimore Oriole
10. I'm a Fool to Want You
11. Hum Drum Blues
12. Willow Weep for Me

Line Up :

Sheila Jordan (vocals)
Barry Galbraith (guitar)
Steve Swallow (bass)
Denzil Best (drums)

Recorded at the Van Gelder Studio, Englewood Cliffs, New Jersey on September 19 and October 12, 1962.



SHEILA JORDAN




Sheila Jordan & Steve Kuhn Trio - Hum Drum Blues







Steve Kuhn Trio & Sheila Jordan - Bird Alone









Steve Kuhn Trio & Sheila Jordan - If I Should Lose You







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JIMMY WITHERSPOON - EVENIN BLUES ( 1963 )

El cantante, Jimmy Witherspoon, aprendió su oficio en el coro de la iglesia Baptista de su ciudad natal y de adolescente quedo ensimismado con el canto de dos grandes blues singer, el orondo, Jimmy Rushing, y Big Joe Turner. Trabajó de lavaplatos en un local donde ofrecían conciertos en directo y así conoció a los grandes del blues californianos como el guitarrista y cantante, T. Bone Walker. Su debut como cantante fue extremadamente exótico, dado que debutó en Calcuta, en el "Grand Hotel Winter Garden" con el grupo del pianista, Teddy Weatherford, un antiguo pianista de leyenda, natural de Chicago y emigrado al Extremo Oriente desde finales de los años veinte. En 1945 entró a formar parte de la orquesta de Jay McShann, pianista de Kansas City que intentaba en su orquesta, una especie de fusión entre el jazz y el blues. Su papel en la orquesta fue sustituir como vocalista a Charles Brown.
 Con McShann, estuvo casi seis años, hasta que en 1952, se sintió seguro para emprender su carrera en solitario. Sus comienzos en ese contexto se aproximaron mucho al Rhythm and Blues, pero después de algún tropiezo importante en su carrera, afortunadamente enderezó el rumbo de su arte vocal por senderos mas jazzisticos. La elección fue muy acertada y ya en 1957, grabó un  muy buen disco para RCA titulado "Goin' to Kansas City Blues", pero fue en 1959 cuando le llegó el espaldarazo definitivo cuando participó en un extraordinario concierto en el Festival de jazz de Monterey, quedando testimonio de aquel evento, un álbum editado por Everest Records. Sus acompañantes en aquélla extraordinaria actuación fueron, el trompetista Roy Eldridge, el saxofonista tenor, Ben Webster y otros grandes músicos como el pianista, Earl Hines. Ese enorme concierto fue el preludio de su reconocimiento, al años siguiente, por los lectores de la revista Down Beat, que lo eligieron mejor cantante de jazz en 1961.

 Sus éxitos discográficos continuaron y en 1961, grabó en directo desde el club Renaissance de Los Ángeles nuevamente acompañado por Ben Webster, Gerry Mulligan y una sección rítmica encabezada por el gran pianista, Jimmy Rowles. Su altísima afinidad y compenetración con Ben Webster alcanzaría su punto culminante en en un emocionante e intimista disco donde Witherspoon, se consagra tambien como cantante letrista y no solo cantante melódico. El disco, se tituló: "Jimmy Witherspoon and Ben Webster" y fue editado en 1962 por el sello Reprise. Cuando parecía que en los años ochenta un cáncer de garganta iba a truncar su carrera y su vida, una intervención quirúrgica en Inglaterra, no solo curó la enfermedad, sino que suavizó su voz y ensanchó su registro grave. Una magnifica muestra de ese cambio de voz se puede observar en el álbum grabado en 1988 para el sello Fantasy, titulado "Rockin' L.A."
Jimmy Witherspoon, siguió durante la década de los noventa a pleno ritmo y sus discos llegaban al mercado de una forma muy regular. Con su muerte, acaecida el 13 de septiembre de 1997, se fue quizás el último gran cantante de blues.


 Jimmy Witherspoon - Evenin'Blues ( 1963 )


Tracks :


1-  Money's Gettin' Cheaper
2-  Grab Me a Freight
3- Don't Let Go
4- I've Been Treated Wrong
5- Evenin'
6- Cane River
7- How Long Blues
8- Good Rockin' Tonight
9- Kansas City
10- Drinking Beer
11- Don't Let Me Go ( Alternativo )
12- I've Been Treated Wrong  (Alternativo)
13- Evenin'  (Alternativo)
14- Cane River  (Alternativo)


Personnel:


 Jimmy Witherspoon  - Vocals
Clifford Scott - Tenor Saxophone
Bert Kendrix - Organ
T-Bone Walker - Guitar
Clarence Jones - Bass
Wayne Robertson - Drums


JIMMY WITHERSPOON




Jimmy Witherspoon - Aint Nobody's Business






Jimmy Witherspoon & Don Weller - Kansas City







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WHITESNAKE - STARKERS IN TOKIO ( 1997 )

 Starkers In Tokyo, es un álbum acústico en vivo de Whitesnake, grabado en julio de 1997.
Es realizado en el estilo de la serie "Unplugged", muy sencillo, íntimo y simplemente destacando, únicamente, las características vocales de David Coverdale y Adrian Vandenberg en la guitarra acústica.
La actuación fue grabada en los estudios de EMI en Japón para una pequeña audiencia de aficionados (noten lo respetuoso y ordenado de los aplausos de los asistentes).
Este disco es una demostración de porque David Coverdale es uno de los mejores vocalistas que ha tenido la historia del rock. La presentación es muy intima y pareciera que fuera en la sala de una institución en algún lugar de Tokyo. Acompañado solamente por el guitarrista Adrian Vandenberg, el show es precioso de principio a fin, tocando clásicos de Whitesnake como "Too Many Tears", "Is This Love", "Here I Go Again". Mención especial tiene la hermosa "Soldier Of Fortune", tema de Deep Purple en la etapa donde cantó Coverdale. Totalmente recomendado.
Con las canciones como ocurre con las personas, desnudas unas ganan más que otras. Es el caso de Sailing Ships, que tal como se muestra aquí, desprovista de maquillaje y convenientemente mutilada su parte final original, se me antoja uno de los mejores temas jamás compuestos por Coverdale. Sin embargo en su día pasó bastante desapercibida, abandonada a merced de los estragos de los años ochenta. Me imagino a David Coverdale mostrándosela así de desnudita a Steve Vai y éste diciendo: "muy bonita, pero yo qué pinto ahí? ¿Dónde meto el solo?" Después seguramente acordarían aquel final excesivo, donde Vai se despacha a gusto y el propio Coverdale aprovecha para pegar cuatro chillidos de esos que solamente daría en 1987 y Slip of the tongue. En cambio Is this love? no gana tanto en porreta, más que nada porque ya sabíamos todos lo buena que estaba, y deja en evidencia a la que fue su secuela, que también se encuentra aquí, The deeper the love. Here I go again... creo que es la cuarta versión oficial grabada por Whitesnake, y me sigue gustando. Cierran el show con Soldier of fortune, del mítico Stormbringer también recibe aquí un tratamiento de balneario que la deja suaaave. La verdad es que se hace corto. Ya puestos se podían haber atrevido con Crying in the rain, cuyo desnudo integral sería con toda probabilidad para esculpirlo.
Los años no pasan en balde, y parece claro que David ya no está para alardear con tonos altos, de modo que se busca la vida modificando las melodías más ascendentes que alcanzaba en sus años mozos. En la mayoría de los casos no importa, pero a veces, como en Gimme all your love sí que se echa de menos ese extra de tensión en las cuerdas. A cambio nos regala una voz más cálida, una insistencia bastante moderada en su manido "beibi beibi beibi...", y ese sentido del humor que colmaba la paciencia de Ritchie Blackmore y que lo aleja de esa imagen de insoportable y engreído melenas por el que a pesar de sus arrugas aún hoy siguen suspirando muchas pibas. Parece un trato justo.
Fuente


Whitesnake - Starkers In Tokyo - 1997



Track List

01. Sailing Ships
02. Too Many Tears
03. The Deeper The Love
04. Love Ain't No Stranger
05. Can't Go On
06. Give Me All Your Love
07. Don't Fade Away
08. Is This Love
09. Here I Go Again
10. Soldier Of Fortune


WHITESNAKE




Whitesnake - Is This Love (unplugged)





Whitesnake - The Deeper The Love (unplugged)





Whitesnake - Fool For Your Loving ( Live )

La serpiente blanca como a la mayoria nos gusta :contundente







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SHEMEKIA COPELAND - LIVE IN CHICAGO ( 2005 )

Shemekia Copeland empezó a cantar acompañando a su padre, Johnny Clyde Copeland cuando sólo tenía 8 años, en el show de su padre en el Cotton Club. Debutó con el disco “Turn the heat up”, una explosiva mezcla de funk, blues, R&B, soul y gospel. Shemekia fue educada con el blues tejano de su padre y creció en Harlem, empapándose de todo tipo de sonidos urbanos y cantantes callejeros.
Con 16 años era parte fundamental del show de su padre, siendo la gran telonera. Johnny se sacrificaba por que su hija tuviera las suficientes tablas antes de que ocurriera lo inevitable. Aunque Shemekie no tuviera una educación musical formal, es de sobra sabido que el escenario es el que curte al músico, y esa sabiduría era de sobra conocida por Johnny, con lo que Shemekia llego a necesitar cantar en escenarios como si de una droga se tratase.
Tras una actuación, Bruce Iglauer, presidente de Alligátor Records la ficha para su discográfica. La edición de su debut la catapulto directamente a la cima del éxito, con un estilo un tanto comercial pero cargado de sentimientos, en parte gracias a la mano de Jimmy Vivino, y a la impresionante voz de Shemekia, envidia de la misma Aretha Franklin.
Shemekia Copeland es una gran cantante de blues, pese a que no goce aun de una fama acorde con su voz y su talento, quizás porque esta morena gordita no tenga la aureola de rock o pop star de otras como Joss Stone, Corinne Bailey Rae o la propia Norah Jones. Puede decirse a esta altura que Shemekia Copeland ha superado la sombra de su mítico padre, el notable guitarrista texano Johnny Copeland, cinco discos solistas, todos de nivel más que aceptable, lo confirman. Dueña de una voz privilegiada, posee además esa característica tan dificil de conseguir, y tan subjetiva ademàs, que es el talento interpretativo; eso que diferencia a las grandes cantantes como Aretha Franklin, Etta James y hasta inclusive Joss Stone, de lo que podríamos considerar grandes voces como Whittney Houston  . Shemekia tiene la voz y el talento una artista que saltó a la consideración al haber sido convocada por Martin Scorsese para su serie de documentales sobre el blues, y que a poco de salir este album, realizó una incendiaria presentación en vivo en el show de David Letterman que sorprendió a los que aún no la conocían.



Shemekia Copeland – Chicago 2005

Tracklist:

1. Announcer
2. Breakin' Out
3. Should Have Come Home
4. Living on Love
5. Turn the Heat Up
6. Beat Up Guitar
7. Wild Wild Woman
8. Who Stole My Radio?
9. All Wrapped in Love Again /Tore Up/Make These Blues Survive/Bit by Bit>(w/Susan Tedeschi & Ronnie Baker Brooks- guitar & vocals)
10.It's 2 A.M.



Shemekia Copeland
Buddy Guy's Legends
Chicago, IL
2005-09-17

Line up :

Shemekia Copeland (voc)
Arthur Neilson (gui)
Jeremy Baum (key)
Kevin Jenkins (bas)
Damon Duewhite (dru)


SHEMEKIA COPELAND



Shemekia Copeland - Wild wild woman




Shemekia Copeland - Beat up old guitar




BB King & Shemekia Copeland - Every Day I Have The Blues






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LUTHER JAZZ CLUB : AL JARREAU - LOOK TO THE RAINBOW ( 1977)

Que tal amigos ,pasado el mal trago del ordenador y trabajando con mi amigo el service a contrareloj ,para estar con ustedes una ves mas en este sabado lluvioso en Bs As .
En esta noche les traemos a continuacion a un artista que no es especificamente del riñon del jazz ,pero cuando coquetea con esta corriente musical lo hace con creces ,nos referimos al gran Al Jarreau .
Primeramente agradecer por sus mensajes de buena onda para con mi persona y el "aguante" y segundo agradecer tambien a mi gran amigo Jazzy  de la web Musica Para Gatos que nos facilito que el genio de Milwaukee este presente esta noche en el club .
Sin mas palabras ,las puertas estan abiertas ,sus mesas los esperan al igual que sus tragos y cocteles .
Un abrazo y que disfruten de la velada .

Alwyn Lopez "Al" Jarreau (Milwaukee, Wisconsin, Estados Unidos, 12 de marzo de 1940), es un cantante estadounidense de jazz. Se distingue por su versatilidad y originalidad, y por su apertura a diferentes estilos (soul, rhythm and blues, pop...) e influencias diversas (Nat King Cole, especialmente). Ganador de varios Grammys, su voz se hizo popularmente conocida al interpretar el tema central de la serie de televisión en los 80 Luz de luna.
Al Jarreau simultaneó desde niño su interés por la música con los estudios de psicología, que a la postre constituiría su primera profesión, al ejercer en San Francisco como rehabilitador durante cuatro años ayudando a gente con problemas de alcoholismo, drogas, esclerosis múltiple o amputaciones.

Su estilo de canto es muy versátil, hasta el punto que es el único vocalista de la historia que ha ganado un Grammy en tres categorías distintas: jazz, pop y R&B. Ha sido nominado seis veces.
Hijo de un sacerdote, obtuvo su primer experiencia como artista al cantar en el coro de la iglesia. Después de obtener su maestría en psicología, Jarreau trabajó como asistente social, pero al final decidió mudarse a Los Ángeles y probar suerte en un show business tocando en pequeños clubes en la Costa Oeste. A mediados de los años sesenta grabó un LP titulado "1965" pero siguió siendo un desconocido, y no volvió a ingresar al estudio por diez años.

En 1975 firma con el sello Reprise, propiedad de Frank Sinatra y su carrera musical da un salto de calidad y popularidad vertiginoso. Su primer LP para Reprise se titula: "We Got By" , obteniendo elogios por su sofisticada voz al ser comparado con Billy Eckstine y Johnny Mathis. Después de grabar "Glow" en 1976, Jarreau lanzó "Look to the Rainbow", un disco doble en vivo que llegó al Top 50 en los rankings de álbumes de EE.UU. Con "Breakin’ Away", grabado en 1981 ingresó al Top 10, que incluía los éxitos : "We’re in This Love Together" y "Breakin’ Away". Después de grabar: "Lis for Lover", en 1986 con el productor Nile Rodgers, Jarreau tuvo un éxito con el tema del programa televisivo Luz de Luna, pero su éxito como cantante pop estaba declinando y sus siguientes obras, como "Heaven and Earth" de 1992 y "Tenderness" grabado dos años después en 1994 tuvieron más éxito con el público adulto que con la juventud.
Siempre al margen de las criticas que le llovían por su exceso de comercialidad en su música, denostado por los amantes del jazz que veían en él a un impostor que adulteraba la esencia del jazz, Jarreau ha pasado a la historia de la música por ser el primer cantante que ha logrado ganar cinco premios Grammys, tres de ellos en tres estilos distintos: Jazz, Pop y Rhythm & Blues respectivament
Un grande con todas las letras .



Al Jarreau - Look to the Rainbow - (1977)



Tracklist:


1-Letter Perfect
2-Rainbow in Your Eyes
3-One Good Turn
4-Could You Believe
5-Burst in With the Dawn
6-Better Than Anything
7-So Long Girl
8-Look to the Rainbow
9-You Don't See Me
10-Take Five
11-Loving You
12-We Got By


Fue Grabado en vivo en europa en los meses de Enero y Febrero de 1977.

 Banda:

 Al Jarreau (Vocalista), Tom Canning (Teclados), Lynn Blessing (Vibrafono), Abraham Laboriel (Bajo), Joe Correro (Percusiones).


AL JARREAU




Al Jarreau - We got by ( Live )






Al Jarreau - Teach Me Tonight (live, 1996)







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MUNDIAL DE FUTBOL 2010

Para los que pensaban que me habia tomado el raje a Sudafrica ,les lamento decir que no fue asi ,preferi ahorrarles  el trabajo a los funcionarios sudafricanos de migraciones para que tuvieran un argentinos menos que deportar jejeje.
Hablando en serio mis queridos amigos el motivo de esta ausencia fue pura y exclusivamente del ordenador que aparentamente se tomo una vacaciones dejandome a la deriva del asunto .
Cosas que pasan en la era de la internet de la que todos no estamos a salvo ,en un par de dias estaremos de vuelta acompañandolos y visitandolos a todos ustedes amigos .
Aprovechando me gustaria desearles a cada uno de los paises participantes una muy buena performance en este mundial que comenzo hoy en el continente africano .
Espero que mi querida seleccion cumpla un muy buen papel y que nos traiga la copa por tercera ves en la historia ,hace ya varios mundiales que he perdido el entusiasmo por la albiceleste pero en esta oportunidad me ha vuelto la euforia y la excitacion por el comienzo del mundial por dos razones .
La primera de ellas en la gran categoria de jugadores que el Diego llevo como plantel y segundo creo que el entrenador nacional les puede inculcar la gloriosa mistica de nuestra camiseta a los 23 jugadores ,algo que hace mucho no lo veo plasmado en la seleccion .
Yo se muy bien que con eso solo no alcanza para ganar un mundial ,pero los argentinos ya tenemos varias hazañas encima como para soñar .
Igual hay que reconocer que Brasil esta un escalon por arriba de todos los conjuntos americanos y es una amenaza latente para campeonar ,Paraguay con su actual entrenador Martino esta capacitado para cumplir una buena tarea,Chile tratara de la mano del "loco" Bielsa dar el salto definitivo en competencias de esta categoria y Uruguay con su garra y su historia siempre estara metido entre los grandes del planeta futbolistico
Un parrafo aparte con Mexico ,que a pesar de haber empatado en el debut con Sudafrica ,hay que decir que siempre es dificil jugar con el local sea quien sea ,mas el agregado de estar en un grupo dificil .
De no ser mi pais quien se alze la copa ,estos ultimos cinco seleccionados americanos gozan de mi preferencia y si tampoco resultase, la preferencia se mudaria al viejo continente ,deseando que haya un nuevo campeon y que la copa aterrize de una buena ves por todas en Barajas y asi España corone y festeje por esta buena generacion de futbolistas que posee.
Gracias amigos por el aguante y les mando un abrazo enorme a todos ,sera hasta cualquier momento o cuando el ordenador quiera .
Saludos che !

LAURIE MORVAN BAND - FIRE IT UP ( 2009 )

Cualquiera que este familiarizado con la guitarrista Laurie Morvan sabe que estamos en presencia de una artista completa que lleva su musica en serio .
Aunque su conocimiento de la musica comenzo en su adolescencia con el pop y el rock ,mas adelante y a traves de un amigo se acerco a las obras de Allman Brother ,Lynyrd Skynyrd y muy especialmente en un guitarrista texano llamado Stevie Ray Vaughan .
Con el tiempo se dio cuenta que la musica que escuchaba por ese entonces derivaba del blues tradicional ,se metio de lleno a profundizar y ahy descubrio a Robert Johnson,Etta James, Freddie King y muchos mas .

Decidida a hacer con la musica su verdadera vocacion decide recibirce de ingeniera electrica en la Universidad para salir de su ciudad natal en Plainfield ,Illinois y asi trasladarce a Los Angeles en donde se dedicaria a la ingenieria aeroespacial alternando con la musica .
Despues de un tiempo opta por esto ultimo para convertirce como dice mi amigo Pablo de La MazaBlues  en una SRV con tacos altos .


Fire It Up es el cuarto registro de Laurie y el tercero con la Laurie Morvan Band . Como el título implica este es un disco que está listo para inflamarse. Debería hacerlo tanto en popularidad, así como con buen blues por el sonido que ofrece.  Crecio en Illinois  y su padre la abandonó  cuando tenía sólo cinco años de edad. Ellos lucharon durante muchos años hasta que su madre volvió a casarse. La nueva familia compró una propiedad en la  zona rural de Illinois, donde construyeron su propia casa con sus propias manos. Laurie tocaba la flauta en la banda de la escuela secundaria.  Laurie fue a la universidad para obtener un título en Ingeniería Eléctrica, también fue al Instituto de Aviación y consiguió una licencia para uso privado y comercial , también obtuvo una beca completa para jugar al voleibol.

Con el tiempo empezo a tocar en bandas para convertirce  en un trabajo de tiempo completo ,entonces decidió que era hora de grabar un disco, pero necesitaba dinero para hacerlo bien. Laurie volvió a la escuela para obtener su Maestría en Matemáticas Aplicadas y enseñó matemáticas en la universidad hasta que hubiera suficiente dinero para hacer su primer disco. La banda fue llamada Backroad Shack y en 1997 publican su primer disco llamado "Out In The Wood". La banda cambió el nombre a Laurie Morvan Band en 2004 .
Una genial guitarrista y cantante que nos deslumbra con su manera de tocar y que sigue la senda de Bonnie Raitt y Susan Tedeschi.



Laurie Morvan Band - Fire It Up  ( 2009 )


Tracks :

1- Nothin' But The Blues
2- Come On Over To My BBQ
3- Good Girls Bad Girls
4- Lay Your Hands
5- I Speak The Blues
6- Livin' In A Man's World
7- Let Me Carry Your Troubles
8- You Don't Know About Me
9- Skinny Chicks
10- Testify
11- Ooh Ooh Baby
12- Cafe Boogaloo

Line up :

Laurie Morvan (voz, guitarra)
Sammy Avila (teclados)
Pretty Boy Pat (bajo)
Kevin Murillo (batería)


LAURIE MORVAN BAND




Laurie Morvan Band - I Can't Get Enough - Live






Laurie Morvan Band - My Baby Says Live







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LUTHER JAZZ CLUB : DEBBIE CAMERON & DEE DEE BRIDGEWATER ( DOBLE FUNCION )

Hola amigos ,debido a la gran repercucion del club hemos decidido ampliar la cartelera todos los sabados agregando un artista mas por noche (espero que no tengamos que agrandar las instalaciones jeje)
Por el momento y para empezar esta nueva tematica les traemos en esta noche a dos diosas de ebano .
La formidable  Debbie Cameron aportada por nuestro querido amigo Jazzy del sensacional  blog Musica para Gatos  ,que gracias a sus influencias felinas nos abrio su haren para que esta morena este con nosotros hoy ,mas tarde y "alrededor de medianoche" la increible voz de Dee Dee Bridgewater nos hara las delicias en esta velada .Sin mas palabras que agregar los invitamos a tomar sus lugares en sus respectivas mesas y disfrutar de buen jazz acompañados de sus tragos y cocteles preferidos .

Debbie Cameron nació en Miami el 14 de septiembre de 1958. Americana originaria de las Bahamas, ha tenido una carrera bastante singular. De hecho, empezó un poco tarde, al cumplir los 18 años de edad. En ese momento obtuvo el Premio al Estudiante más prometedor en la Escuela de Música de la Universidad de Miami. En 1978 se muda a Dinamarca, donde vivía su madre y poco más tarde, en 1981, representa a dicho país en el Festival de Eurovision formando un dúo con el músico danés, Tommy Seebach. La canción, titulada "Kroler eller ej" es un fantástico ejemplo de tema hortera y eurovisivo, practicamente risible. Lo cierto es que viendo la actuación de Debbie y sus compañeros nadie podría haber pensado que esta mujer podía ser una vocalista interesante.
Pero como a veces pasa en este divertido mundo, Cameron decidió contradecir toda previsión y en el año 2002 sacó un excelente trabajo que vale la pena rescatar. Su nombre es "New York Date". El album es su cuarto trabajo como lider pero es el primero que Cameron ha grabado en su pais natal, E.E.U.U..
En "New York Date", la mayoría de los temas son standards de jazz, salvo dos excepciones; la primera de ellas es el interesante "Searching". El segundo, un homenaje a Theolonius Monk con el descriptivo título "I Love Monk", ambas de Debbie Cameron. Ciertamente las composiciones de Cameron, aunque tienen un interés, no son lo mejor del disco.Este trabajo es un sincero y rendido homenaje a la música que, parece, interesa a la vocalista. Puro Jazz, ejecutado por una buena banda de músicos y grabado prácticamente en directo, sin ningún tipo de artificios técnicos lo cual, en las fechas que corren, es de agradecer. Al oirlo uno se hace la idea de lo dificil que debió resultar para ella disfrutar con algunas de las cosas que había grabado tiempo atrás y que probablemente no le ayudaron demasiado en su carrera.
Cierra los ojos y conecta tu reproductor. Si fumas, enciende un pitillo y pon una luz tenue. Creerás estar en un club de jazz. Y cuando el disco se acabe, te preguntarás que diablos ha estado haciendo Debbie durante todos estos años.

Destacar las versiones de los clásicos "You go to my head" y de "Night and day". Sencillamente deliciosas.

                                                                                                                        
                                                                                                                        Jazzy

Fuente


Debbie Cameron - New York date ( 1999 )

Tracks  :


    1- Social Call
2- Watch What Happens
3- Searching
4- Donna Lee
5- You Go To My Head
6- Shiny Stockings
7- The Island
8- I Love Monk
9- Night And Day
10- Confirmation



Debbie Cameron - Vocal
Ben Besiakov - Piano
Harvie Swartz - Bass
Danny Gottlieb - Drums
Eric Alexander - Saxophone

DEBBIE CAMERON

Debbie Cameron -Night and Day




Disfrutenlo .

  Dee Dee Bridgewater, es una de las realidades tangibles en el mundo del jazz vocal en la actualidad y su futuro se antoja aún mucho mejor. Nacida como  Denese Garrett, adquirió su nombre artístico en 1970 tras su matrimonio con el trompetista  Cecil  Bridgewater se incorporó en 1971 a la big band de  Thad Jones y Mel Lewis, una brillantísima e innovadora orquesta con la que realizó numerosas actuaciones hasta bien entrado el año 1974. Allí adquirió la formación suficiente para dar un salto de calidad en su carrera y colaborar en los grupos de las figuras consagradas del jazz:  Max Roach, Dizzy  Gillespie, Sonny Rollins, o Dexter Gordon.
     Entre los años 1974-1976, trabajó en un musical de Broadway titulado: "The Witz" por el que conquistó un importante premio teatral. Esta faceta interpretativa continuó con su participación en la obra de Stephen Sthal, titulada: "Lady Day" interpretando a la mismísima, Billie Holiday, que se representó en Hamburgo, Londres y Paris  y en la revista musical "Sophisticated Lady" sobre la música de Duke Ellington.
     Afincada en Paris desde mediados de los ochenta, ha grabado numerosos e importantes discos donde se observa la enorme influencia en su estilo de las cantantes, Nancy Wilson y la propia Sarah Vaughan. Desde el blues al scatt, pasando por los standars o los discos en directo, Dee Dee Bridgewater lleva camino de hacer historia en el mundo del jazz vocal y su último registro en directo en el club Yoshi's de Oakland (San Francisco) es todo un recital de saber cantar.
 Apareció en el show Lady Day y en festivales de jazz europeos, y por un tiempo formó su propio grupo de acompañamiento. A finales de los ochenta, sus grabaciones para Verve empezaron a tener éxito en su país de origen. Su disco de 1995 en homenaje a Horace Silver le permitió emprender una gira por Estados Unidos que la redescubrió para la audiencia de su país. Obtuvo otro gran éxito, Grammy incluido en 1997, con su homenaje a Ella Fitzgerald.
En el 16 de octubre de 1999, Dee Dee Bridgewater fue nombrada Embajadora de Buena Voluntad de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO).



 Dee Dee Bridgewater – Dear Ella (1997)


 Tracklist:

01. A Tisket, A Tasket
02. Mack the Knife
03. Undecided
04. Midnight Sun
05. Let’s Do It (Let’s Fall In Love)
06. How High the Moon
07. If You Can’t Sing It, You’ll Have To Swing It (Mr. Paganini)
08. Cotton Tail
09. My Heart Belongs To Daddy
10. I’d Like To Get You On A Slow Boat To China
11. Oh, Lady, Be Good!
12. Stairway to The Stars
13. Dear Ella


DEE DEE BRIDGEWATER



Undecided - Dee Dee Bridgewater & The Italian Big Band




My Funny Valentine - Dee Dee Bridgewater & The Italian Big Band





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JEFF BUCKLEY - GRACE ( 1994 )

Primeramente aclarar que este post esta dedicado a mi amiga valenciana Arena ,quien me acerco a este formidable artista para que lo descubra .Para vos guapa y que lo disfrutes .Chau

JEFF BUCKLEY

El 29 de mayo de 1997, Jeff Buckley llevaba algunos meses en Memphis (Tennesse) preparando en solitario el que tenía que ser su segundo disco. Aquel día paró al atardecer con un amigo a nadar en el Río Mississippi, a la puesta de sol, mientras el resto de su banda tomaba en aquellos momentos el avión para desplazarse a su encuentro. Su amigo le perdió de vista nadando. El cuatro de junio, seis días después, su cuerpo era encontrado. A la edad de 30 años, uno de los artistas con más talento que habían conocido los noventa moría ahogado en extrañas circunstancias.
Jeff Buckley nació en el condado Orange de California en 1966. Había surgido en la escena vanguardista de la ciudad de Nueva York en los años 90 como uno de los más notables músicos de su generación, aclamado por el público, los críticos así como por sus propios compañeros de profesión.
Su primera grabación comercial fue el disco de cuatro canciones Live At Sin-é grabado en diciembre de 1993. El disco mostró a Buckley, acompañándose de una guitarra eléctrica, en un minúsculo café del East Village de Nueva York, barrio del que haría su hogar. En la fechas del estreno de este disco en el otoño del 93, Buckley había grabado, con Mick Grondahl (bajo), Matt Johnson (batería) y el productor Andy Wallace, siete canciones originales ( incluidas Grace y Last Goodbye) y tres versiones (entre ellas Hallelujah, de Leonard Cohen, Lilac Wine de J. Shelton y Corpus Chisti Carol de Benjamín Britten) que se incluyeron su primer álbum Grace. El guitarrista Michael Tighe había coescrito e interpretado la canción So Real, incluida en Grace, antes de llegar a ser un miembro permanente del conjunto de Buckley en el estreno de este álbum.
El álbum Grace, fue estrenado en USA el 23 de agosto de 1994. Jeff Buckley y su banda iniciaron una amplia gira por Japón y Europa. El 13 de abril del 95 se anunció que Grace, de Jeff Buckley, había ganado el prestigioso titulo francés de Gran Prix International Du Disque - Academie Charles CROS (1995), un premio otorgado por productores, periodistas, el presidente de cultura de Francia y profesionales de la industria musical, que había sido otorgado previamente a Edith Piaf, Jacques Brel, Yves Montand, Georges Brassens, Bruce Springsteen, Leonard Cohen, Bob Dylan, Joan Báez y Joni Mitchell, entre otros destacados músicos. Francia, además, premió a Buckley con un Disco de oro por Grace.
Tras diferentes giras por los Estados Unidos y actuaciones bajo sobrenombres como Mind Science of the Mind, The Crackrobats, Possessed By Elves, Father Demo, Smackrobiotic, The Halfspeeds, Crit Club, Topless America, Martha & the Nicotines, y A Puppet Show Named Julio, Jeff Buckley inició las grabaciones de lo que sería su segundo disco My Sweetheart The Drunk, contando con la presencia de Tom Verlaine como productor  durante el final de 1996 y el principio del invierno de 1997 en Nueva York y  Memphis. En Marzo de 1997, Jeff comenzó un serie de funciones en solitario programadas las noches de los lunes en «Barrister’s», en Memphis.
Su última función fue el 26 de Mayo de 1997.


JEFF BUCKLEY - GRACE (1994)


 Tracks :


1. Mojo Pin
2. Grace
3. Last Goodbye
4. Lilac Wine
5. So Real
6. Hallelujah
7. Lover, You Should've Come Over
8. Corpus Christi Carol
9. Eternal Life
10. Dream Brother



Buckley tocó con el guitarrista experimental Gary Lucas y su banda Gods and Monsters. En 1994, Buckley publicó su disco debut Grace, compuesto por diez canciones. Las ventas progresaban lentamente, pero el álbum enseguida recibió las alabanzas de la crítica y el aprecio de otros músicos (entre ellos Jimmy Page, Robert Plant, Bob Dylan, Thom Yorke, Neil Peart y Paul McCartney). Muchos consideran su versión del Hallelujah de Leonard Cohen como la grabación definitiva de dicha canción y probablemente sea la más conocida de Buckley.

LINK ARREGLADO

JEFF BUCKLEY



Jeff Buckley - Hallelujah [live]




Jeff Buckley - So Real & Last Goodbye (Acoustic)






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SHERMAN ROBERTSON - GUITAR MAN LIVE ( 2005 )

Sherman Robertson es un guitarrista y vocalista veterano que ha sabido fundir en su música diferentes estilos, el popular Zydeco y Swamp Blues, original de las zonas pantanosas de Louisiana y el R&B de Texas. Sherman no es simplemente un músico de Blues, es muy versátil capaz de interpretar R&B, Jazz, Rock´n´Roll y Country. Robertson nació el 27 de Octubre de 1948 en Beaux Bridge, Louisiana, y creció en Houston, Texas. Comenzó a tocar la guitarra a los 13 años y a finales de los años 60 ya participaba en giras con las bandas de Bobby "Blue" Bland y Junior Parker. Mas tarde formó su propia banda, a la que llamó Sherman Robertson & The Crosstown Blues Band.
En los años 70, su carrera experimentó un importante punto de inflexión al entrar en la banda del acordeonista y vocalista Clifton Chenier, considerado el Rey del Zydeco. cuando comenzó a actuar por los principales escenarios de E.E.U.U. y Europa. Al dejar la banda donde había estado cinco años, sigue colaborando con otras formaciones de Zydeco, imprimiendo y desarrollando un sonido propio a este género particular de los pantanos de Nueva Orleans y Baton Rouge con el que ha cimentado su larga carrera.
En una trayectoria artística que se expande cuarenta años, este músico ha editado varios discos con Atlantic Records y ha colaborado con artistas como Jonny Copeland o Paul Simon cuando en 1999 le escogío para grabar las guitarras en su premiado album Graceland.
Ya en 2003 se une a los británicos Blues Move para actuar en el Festival de Blues y Jazz de Edimburgo pero esta actuación puntual satisfizo a ambos y dio pie a una gira conjunta y la creación de un grupo permanente con los que ha editado el disco Guitar Man . Posteriormente, colaboró con Terrence Sitien, Rockin' Dopsie y el legendario guitarrista Johnny "Clyde" Copeland.
Sherman, sin duda alguna, puede ser ya igualado a históricos como Albert Collins o Freddy King . Eso sí, con lo que se echa tanto en falta en el mundo del blues: sonido personal.
Su primer album en solitario I´m The Man (Atlantic1994), fue nominado para un W:C Handy Award, los más prestigiosos premios de blues del mundo.

Fuente   ( Gracias Frandiper donde quieras que estes )



 Sherman Robertson -  Guitar Man Live - ( 2005 )


 Tracks :


1. Out of Sight out of Mind
2. Long Way from Home
3. Guitar Man
4. Dust My Broom (Voodoo Dust)
5. Home of the Blues
6. Linda Lu
7. Make It Rain
8. Tin Pan Alley


Recording information: Kwadendamme Blues Festival, The Netherlands (05/14/2005).


SHERMAN ROBERTSON




SHERMAN ROBERTSON - I Wonder Why






SHERMAN ROBERTSON - Am I Losing You







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LONNIE MACK - STRIKE LIKE LIGHTNING ( 1985 )

Lonnie Mack es un músico nacido en Indiana en 1941.
Siendo aún un adolescente empezó a tocar profesionalmente por el circuito local. En esa época adquirió la guitarra que sigue tocando hoy en día, la Gibson flying V serial númber 7, que se ha convertido en su inseparable compañera. Mack empezó a hacer sesiones para estudios en Cincinnati y realizó sesiones con leyendas como Hank Ballard, Freddie King o James Brown. En 1963 grabó una versión instrumental del tema de Chuck Berry, "Memphis", que se convirtió en un hit de la época. Tras este éxito grabó montones de singles como "Wham" (que grabó muchos años después el gran Stevie Ray Vaughan, que siempre a nombrado a Lonnie Mack como uno de sus maestros) o "When there's a will there's a way". Tras eso Lonnie siguió tocando y tocando, adquiriendo mayor renombre, realizando incluso el solo en el clásico de los Doors "Roadhouse blues".- Sin embargo, Lonnie Mack empezó a tener serios problemas con los "jefazos" del negocio y de su nueva compañía, y decepcionado se volvió a su Indiana natal, a tocar en los bares, pescar y a llevar una vida tranquila fuera del negocio. Tras cinco años fuera de circulación, grabó con el sello Capitol un par de discos en el que mostraba sus influencias más Country. Un poco más tarde se encontró en New York con un viejo amigo llamado Ed Labunski, con quien formó un estudio de grabación en Pensylvania, y formando una banda de Country-Rock llamada South. Incluso pensaban producir a un guitarrista tejano muy prometedor y por entonces muy desconocido (Stevie Ray Vaughan).- Sin embargo, Labunski murió en un accidente de coche, todos esos planes se evaporaron, y las grabaciones de South no se publicaron hasta 1998.- Tras este mazazo, Mack se trasladó a Canada a tocar en la banda del rockero Ronnie Hawkins, trasladandose posteriormente a Florida y de vuelta a Indiana en 1982 a tocar por los circuitos locales de nuevo.- El resurgimiento de Mack se produjo coincidiendo con la eclosión de Stevie Ray, y a partir de 1983, las colaboraciones entre ambos hicieron que Mack volviera a primera línea con su album en el sello Alligator Records, llamado "Strike like lightning", coproducido entre ambos músicos, y con Stevie tocando en varios temas del disco. Su gira posterior en 1985 fue todo un éxito, y estuvo acompañado de Stevie Ray, Keith Richards y Ron Wood y Ry Cooder, y también con colaboraciones puntuales entre otros de Bob Dylan o Mick Jagger. Posteriormente publicó tambien en el sello Alligator "Second sight" y el directo demoledor "Atack of the killer V". Posteriormente se fué a la multinacional Epic, donde tuvo nuevamente problemas, regresó a Alligator, y actualmente sigue tocando en su tierra natal, ya que desde luego, nunca ha tenido fortuna con el "music business". Pero a pesar de todo, es un guitarrista y músico soberbio; que ha ejercido notable influencia en guitarristas de todo el mundo, y que lo seguirá haciendo, porque es lo que tienen los grandes músicos. Que dejan huella y crean escuela siempre.



Lonnie Mack - Strike Like Lightning (1985)



Tracks Listing

1. Hound Dog Man
2. Satisfy Suzie
3. Stop
4. Long Way from Memphis
5. Double Whammy
6. Strike Like Lightning
7. Falling Back in Love With You
8. If You Have to Know
9. You Ain't Got Me
10. Oreo Cookie Blues

Line up :

Lonnie Mack - Guitar, Guitar (Electric), Producer, Main Performer, Vocals
Bill McIntosh - Guitar, Guitar (Electric)
Gwen Newsome - Vocals
Dennis O'Neal - Drums
Stan Szelest - Keyboards
Stevie Ray Vaughan - Guitar, Producer, Guitar (Electric)
Tim Drummond - Bass
Lisa Gilkyson - Vocals
Karen Kraft - Vocals
Gene Lawson - Drums, Engineer


LONNIE MACK




Lonnie Mack & Stevie Ray Vaughan - Double Whammy (Live)






Lonnie Mack - Stop ( Live )






Lonnie Mack & Stevie Ray Vaughan - Oreo Cookie Blues ( Live )







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LUTHER JAZZ CLUB : MARK MURPHY - STOLEN MOMENTS ( 1978 )

Que tal amigos ! Despues de un dia lluvioso en Buenos Aires no hay mejor manera que terminarlo escuchando buen jazz .En esta oportunidad les traemos a un  crooner  legendario que ha influenciado a decenas de cantantes con su estilo cool  alla por los 60 y que hoy en dia sigue sacando disco tras disco para deleite de todos nosotros : nos referimos al Sr  Mark Murphy  .
Como es costumbre amigos y sin mas palabras ,sus mesas los espera con sus respectivos tragos y cocteles .
Que lo disfruten y buena velada .

    Mark Murphy,  (Fulton. New York, 1932) rompió la tendencia descendiente en el apartado de cantantes masculinos de jazz en los años sesenta. Su voz, de orientación cool, trasluce alguna similitud con Mel  Tormé, aunque con menor maestría.
     Murphy, siempre citó entre sus cantantes favoritos a las sofisticadas cantantes blancas de jazz, Lee Wiley y Peggy Lee. Murphy saltó a la fama con el disco grabado para Riverside en 1961, titulado "Rah!. En ese disco mostró su habilidad para navegar entre deferentes estilos y fueron los arreglos de Ernie Wilkins y la colaboración de los pianistas, Bill Evans y Wynton Kelly, lo que hizo grande aquella grabación. En su siguiente disco en 1962 para el mismo sello: "That's How i Love the Blues" recorrió con el saxofonista tenor, AL Cohn, los diferentes senderos entre el blues y el jazz.

    Pocos cantante  como Mark Murphy, se han acercado con tanto fervor y tanta pasión al jazz como él. Oliver Nelson -y no fue el único gran instrumentista- lo requirió para componer el texto de "Stolen Moments" uno de los grandes éxitos de Oliver. Cuando llegó la década de los setenta y el pop empezaba a reinar en la cultura musical de todo el mundo, Murphy se trasladó a Inglaterra donde permaneció casi un decenio. En 1981 renace para grabar en el selecto sello "Muse" el disco "Bop for Kerouac", dedicado al celebre poeta y novelista y donde intercala sus textos con el vocal de King Pleasure. Otro disco extraordinario donde Murphy demuestra su versatilidad para llegar a ser un intimista crooner blanco es el titulado "Sings the Nat King Cole Songbook" grabado para Muse en 1983.
 Mark Murphy  , ha conseguido a base de esfuerzo y tesón, incrementar su registro de voz con el que puede ir desde el falsetto (con sacudidas a la manera de una trompeta), hasta bajar a un elegante barítono. Su capacidad para trabajar los cambios de acordes a la manera de un instrumentista, le sitúan como uno de los grandes cantantes de jazz de los últimos tiempos.

Fuente


Mark Murphy - Stolen Mome  ( 1978 )


Tracks :

1- We'll Be Together Again
2- Stolen Moments
3- D. C. Farewell
4- Again
5- Don't Be Blue
6- Sly
7- Like a Lover (O Cantador)
8- Farmer's Market
9- Waters


MARK MURPHY



Empty Faces -- Mark Murphy




Mark Murphy Sconsolato




Mark Murphy - Stolen Moments






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