miércoles, septiembre 29, 2010

EVA CASSIDY - LIVE BLUES ALLEY ( 1997 )







Eva Cassidy (Oxon Hill, Washington DC, 2 de febrero de 1963 - Bowie, Maryland, 2 de noviembre de 1996) fue una gran cantante de jazz y soul, capaz de sacar lo mejor de sí misma cantara el estilo que cantara. Tenía un registro increíble y un feeling impresionante. Nunca quiso ser cantante profesional, era jardinera paisajista y sus amigos la convencieron para que cantase en los garitos de Washington DC, donde vivía. Sobre todo fue conocida por reinterpretar temas clásicos del blues, jaz o del pop, haciendo que sonasen como temas nuevos, tuvo el toque mágico que logró convertir todo lo que cantaba en algo memorable. Obtuvo elogios mundiales al ser una intérprete sin igual de temas como "Fields of Gold", de Sting, y clásicos como "Over the Rainbow".
En enero de 1996 salió a la venta Live at Blues Alley, un álbum en directo con las mejores canciones que Cassidy solía interpretar en sus actuaciones. Al respecto, The Washington Post publicó que ella "podía cantar cualquier canción y conseguir que fuera la única música que importara". Pese a ello, Cassidy no estaba satisfecha con su voz la noche de la grabación. A continuación, Eva, Biondo y el resto de la banda grabaron nuevas versiones para editar un disco de estudio. En junio del mismo año, durante la promoción de Live at Blues Alley, Eva comenzó a sentir dolor en la cadera. Días después fue diagnosticada de cáncer de piel en fase avanzada. Pese al tratamiento de quimioterapia, falleció el 2 de noviembre a la edad de 33 años. Su última actuación tuvo lugar en septiembre frente a un grupo de amigos para quienes interpretó "What a wonderful world".  Su voz prístina y su elección de canciones sólo añadieron intensidad a sus grabaciones que hicieron más efectiva a su música. Pero si ella hubiera vivido, su capacidad para hacer que cualquier canción sonara como nueva por medio del poder de su voz aún hoy le permitiría obtener los bien merecidos elogios que, lamentablemente, nunca vivió para ver. Irónicamente, Eva Cassidy nunca quiso ser cantante profesional.  Después de reunirse con el productor Chris Biondo y de incorporar estilos folk, jazz, gospel y blues, grabó canciones desde el tradicional "Oh, I Had a Golden Thread" hasta "Songbird"; la mayor parte de este material fue lanzado de forma póstuma en compilados tales como Eva By Heart. Llamar a Eva Cassidy una de las mejores cantantes de la historia podría considerarse una exageración, pero para sus fans Eva es digna de tales elogios. Aunque su lugar en la música popular norteamericana es discutible todavía, no se puede negar el poder de sus grabaciones y Eva Cassidy tuvo el toque mágico que logró convertir todo lo que cantaba en algo memorable.



Eva Cassidy - Live At Blues Alley  ( 1996 )


Tracks :

1. Cheek To Cheek
2. Stormy Monday
3. Bridge Over Troubled Water
4. Fine And Mellow
5. People Get Ready
6. Blue Skies
7. Tall Trees In Georgia
8. Fields Of Gold
9. Autumn Leaves
10. Honeysuckle Rose
11. Take Me To The River
12. What A Wonderful World
13. Oh, Had I A Golden Thread


EVA CASSIDY






Eva Cassidy-Stormy Monday




Eva Cassidy - Fields Of Gold












NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

lunes, septiembre 27, 2010

DUKE ROBILLARD - BLUE MOOD ( 2004 )




Hoy vamos a presentar a un guitarrista norteamericano llamado Duke Robillard, nacido en el año 1948 en el estado de Rhode Island. Considerado un guitarrista todo terreno, capaz de tocar cualquier estilo,blues, jazz ó rock and roll.  Cuando iba al instituto convenció a su padre para que le diera dinero para su trabajo de fin de curso,contruirse su propia guitarra eléctrica. En sus inicios escuchaba los discos de las viejas leyendas del rock and roll  como Chuck Berry,Buddy Holly,Gene Vincent y Duane Eddy, etc que tenía su hermano mayor.  Con una gran  facilidad para  imitar los  fraseos de cualquiera de sus ídolos,  empezó a practicar con la guitarra hasta dominarla. Con la llegada en los años 60 a Estados Unidos de los grupos británicos admiradores de los grandes músicos del blues,  descubrió a interpretes como  Muddy Waters y Elmore James,  pero su principal influencia fue T-Bone Walker.

En sus  inicios se unió a la banda llamada "Roomful of Blues" , con el batería Fran Christina y un joven pianista de 16 años  llamado Al Copley. En esta época, basaba su manera de tocar en los primero guitarristas de jazz como Charlie Christian, Tiny Grimes y Oscar Moore
Con "Roomful of Blues" estuvo unos sietes años desarrollando su estilo , en 1978 grabaron su primer albúm llamado como ellos " Roomful of Blues", tuvo una buena aceptación y esto les porporcionó una gira por la  Costa Este y el Sur de Estado Unidos. Al principio de los años 80 se unió al grupo de blues  "The Pleasure Kings" pero las críticas no fueron muy buenas, lo dejó y decidió volver al jazz puro, principalmente basando su repertorio en el swing. En 1988 volvió a "The Pleasure Kings" con el apoyo de Dr. John al piano y Jimmy Vaughan a la guitarra, esta vez las cosas fueron mejor.

Posteriormente en 1990 reemplazó a Jimmy Vaughan en "The Fabulous Thunderbirds" con  Fran Christina  a la batería. Vaughan llegó a comentar que la primera vez que oyó tocar a Robillard al entrar en un club y no ver el escenario pensó que era T-Bone Walker.
Este comentario dice mucho sobre su progresión como instrumentista ya que era difícil imitar a Walker, ya que hasta B.B. King no llegó a conseguirlo. Estuvo en el grupo hasta el año 1993.
Desde entonces a grabado con el sello independiente  Stony Plain (Cánada), formando diversos duos con Herb Ellis ó Ronnie Earl por ejemplo. También ha colaborado con músicos tan diversos como Jimmy Witherspoon, Jay McShann. el pianista Pinetop Perkins, Bob Dylan e incluso con el grupo Wham! ( si,  el de George Michael). En el año 2006 acompañó a Tom Waits durante su gira de conciertos.



 Fuente  (  Gracias David Aragon )



Duke Robillard-Blue Mood (The Songs of T-Bone Walker) 2004


Tracks :


01. Lonesome Woman Blues  4.08
02. T-Bone Shuffle  5.07
03. Love Is A Gamble  4.37
04. Alimony Blues  3.28
05. You Don't Love Me  5.24
06. T-Bone Boogie  5.24
07. Blue Mood  3.10
08. Pony Tail  3.07
09. I'm Still In Love With You  8.58
10. Hard Way  2.46
11. Born To Be No Good  5.34
12. Tell Me What's The Reason  2.49




Line up :

Duke Robillard - Vocals, Guitar
Doug James - Tenor Saxophone, Baritone Saxophone
Matt McCabe - Piano
Billy Novick - Clarinet, Alto Saxophone
Mark Teixeira - Drums
Jesse Williams - Double Bass
Al Basile - Cornet
Carl Quefurth - Trombone
John Abrahamsen - Trumpet


DUKE ROBILLARD






Duke Robillard - Blues for T-Bone




Duke Robillard - Anything it takes






NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

viernes, septiembre 24, 2010

LUTHER JAZZ CLUB : BLOSSOM DEARIE - BLOSSOM TIME AT RONNIE SCOTT'S CLUB ( 1966)



Que tal amigos ! Ya entrada la primavera por aqui ,quisimos traerles a una cantante con una voz tan jovial y aniñada para arrancar con esta estacion muy cercana a los jovenes y a los no tanto tambien ¿por que no?
La increible Blossom Dearie  nos hara las delicias esta noche en un directo grabado hace muchos años en un club londinense mas famoso que este por supuesto jejeje. Una autentica cantante de clubs amigos hace su presencia en este recinto .
Que pasen una buena velada ,sus lugares los esperan al igual que los tradicionales tragos .
Un abrazo a todos !




Blossom Dearie (28 de abril de 1926 - 7 de febrero de 2009) fue una cantante de jazz y pianista estadounidense, se centró en el genero del bebop. Dearie se hizo célebre gracias a su “distinguida voz aniñada” Dearie nació en East Dirham, Nueva York, Estados Unidos . De niña estudió piano clásico, pero lo cambió por el jazz en la adolescencia. Al acabar los estudios secundarios, Dearie se mudó a Nueva York, para continuar su carrera musical. Aquí comenzó a cantar en grupos como los Blue Flames (con la Woody Herman Orchestra) y los Blue Reys (con Alvino Rey's band), antes de iniciar su carrera en solitario.

En 1952 se mudó a París, donde formó un grupo vocal, The Blue Stars. En 1954 el grupo consiguió un hit en Francia con la versión francesa de "Lullaby of Birland". The Blue Stars más tarde se convertirían en los Swingle Singers. Durante su estancia en París, conoció al que sería su marido, el flautista y saxofonista belga Bobby Jaspar. En su primer disco en solitario, publicado dos años más tarde, Dearie toca el piano, pero no canta.Una de las canciones más conocidas de esta etapa es “The Riviera”, escrita por Cy Coleman y Joseph McCarty Jr. en 1956. En esta etapa, después de regresar de Francia, Dearie grabó sus primeros seis discos en América como cantante solista y pianista para el sello Verve Records la mayoría con un pequeño trío o cuarteto. Dave Garroway, presentador del programa Today, y uno de los primeros seguidores de Dearie, la invitó en varias ocasiones a su programa, facilitando así su difusión al público general. En 1962, graba una canción para un anuncio de radio para la cerveza "Hires Root". Como todo el mundo debe saber, el LP Blossom Dearie Sings Rootin' Songs fue lanzado como un objeto codiciado que podía ser encargado por el precio de un dólar y una prueba de compra.
En 1964, Dearie grabó su disco más conocido para el sello Capitol Reccords May I Come In?, grabado, inusualmente en ella, con una orquesta. Durante este mismo periodo Dearie interpretó frecuentemente en clubs donde pulió su estilo característico. En 1966, hizo su primera aparición pública en el londinense club de Ronnie Scout, donde pronto se convirtió en un número muy aclamado por el público. Grabó cuatro discos en Inglaterra, pulicados por el sello Fontana en los años 60.
En 1974, Dearie fundó su propio sello, Daffodil Records, que le permitió controlar totalmente la grabación y distribución de sus discos. Blossom apareció por televisión durante toda su carrera, especialmente con canciones para series educativas para niños, como Schoolhouse Rock! Muchas de sus intervenciones en estas series fueron compuestas por su buen amigo Bob Dorough, compositor y cantante de jazz. Se puede oír su voz en “Mother Necessity”, “Figure Eight” y “Unpach Your Adjectives”

Su voz peculiar y sus canciones fueron incluidas en las bandas sonoras de muchas películas como Kissing Jessica Stein, My Life Without Me,The Squid and the Whale y The Adventures of Felix. También grabó con algunos músicos, entre ellos Bob Dorough y Lyle Lovett.
Dearie continuó tocando y cantando en clubs. Como una de las últimas cantantes de clubs, siguió cantando y tocando en algunos números regulares en Londres y Nueva York, hasta el 2006.



Blossom Dearie - Blossom Time at Ronnie Scott's Club 1966


Tracks :


01. On Broadway
02. When The World Was Young
03. When In Rome
04. The Shadow Of Your Smile
05. Everything I've Got Belongs To You
06. Once Upon A Summertime
07. I'm Hip
08. Mad About The Boy
09. The Shape Of Things
10. Satin Doll


Line up :

Blossom Deari- Vocal
Johnny Butts- Drums
Jeff Clyne- Bass


BLOSSOM DEARIE







Blossom Dearie - I'm Hip ( live )




Blossom Dearie - Sophisticated Lady ( live )






NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

miércoles, septiembre 22, 2010

CASSIA ELLER - ACUSTICO MTV ( 2001 )





CÁSSIA REJANE ELLER, nació el 10 de Diciembre de 1962 en Río de Janeiro, y murió también en Río el 29 de Diciembre de 2001.
La mayor de cinco hermanos, dos gemelas, un niño y otra pequeña más. Sus padres son Altair Eller, paracaidista del ejército brasileño descendiente de alemanes, y Nancy de familia de músicos y cantante no profesional. Por el trabajo del padre la familia se traslada muchas veces de ciudad, pasa la infancia y adolescencia entre Belo Horizonte, Santárem, y Río de Janeiro en el barrio Lins de Vasconcellos. A los 18 se traslada a Brasilia y comienza a cantar en coros y a hacer castings para teatro musical y óperas llegando a formar parte del elenco. Dejó la lírica por la disciplina que suponía y por la falta de libertad para cantar e interpretar, pero esa época fue clave para colocar la voz.
En 1989 fue a Sao Paulo para mostrar su maqueta con músicas de Renato Russo (Por Enquanto). Firmó contrato con la Polygram y grabó su primer disco "Cássia Eller", 1990. Comenzó entonces a hacer directos con Victor Biglione, y en 1992 lanza "O Marginal".1993 le trajo a su hijo Francisco fruto de su relación con un músico de su banda, Octavio Filhao, el cual murió cinco días antes de nacer el niño, en accidente de tráfico. En 1994 colabora con Herbert Vianna y Frejat, en 1999 su disco y DVD del directo "Com você ...meu mundo ficaría completo"es un gran éxito de crítica y ventas, que alcanzaría su cima con el extraordinario "Acústico MTV"2001.
Cássia nunca escondió su condición sexual, ni hizo de ello una bandera no le gustaba ser icono de nada,simplemente vivió su vida sin rendir cuentas. Convivía con Eugenia Vieira Martíns desde los 25 años, su mujer, que quedó con la custodia de Francisco después de un largo proceso que revolucionó la inmovilista sociedad brasileña.
Cássia muere una tarde de verano, el 29 de Diciembre de 2001, de un fallo cardíaco. Como ex consumidora de cocaína se apuntó una sobredosis como causa de la muerte y ciertos periódicos( "Veja" por ejemplo), hicieron carnaza del asunto. Finalmente se desmintio por la autopsia el uso de drogas y no se supo nunca el motivo por el cual falló su corazón.
Dejó una legión de fans desolados por la pérdida de la gran artista y de la gran persona, y una conmoción general en la música brasileña porqué es imposible reemplazar a Cássia.
Algunos la califican de cantautora, pero en realidad siempre cantó canciones de otros. Canciones que a ella le venían como un guante. Cuando le preguntaban por qué no componía canciones simplemente decía algo tan rotundo como sensato: “Para qué si ya hay un montón de canciones extraordinarias para cantarlas“.

Un personaje, una voz, una persona, toda una mujer… Cassia Eller

Fuente : http://cassiareller.blogspot.com



Cassia Eller - Acustico mtv ( 2001 )


Tracks :


01. Non, Je ne Regrette Rien
02. Malandragem
03. E.C.T.
04. Vá Morar com o Diabo
05. Partido Alto
06. Primeiro de Julho
07. Luz dos Olhos
08. Todo Amor que Houver Nesse Vida
09. Queremos Saber
10. Por Enquanto
11. Relicário
12. Segundo Sol
13. Nós
14. Sargent Peppers Lonely Hearts Club Band
15. Da Esquina
16. Quando a Maré Encher
17. Top Top


He aquí el Mtv Unplugged de esta genial cantante brasileña.
En este show hay variadisimos temas de los mejores compositores de Brasil (Chico Buarque, Renato Russo, Cazuza, Frejat, Gilberto Gil, entre otros) algunos más bossa, o sambas y otros un poquito más rockeros. Obviamente todos en versión acústica, pero un acústico formidable y completo. Con una banda de musicos interesantisima, no solo guitarras, batería, contrabajo y piano, hay muchos instrumentos percutivos y también una pequeña orquesta de la que sobresalen los vientos y las cuerdas.
Algunos temas, como "Por enquanto", son de los que esta cantante dió a conocer en los comienzos de su carrera. También aprovecha y se manda una afortunada version de Sgt Pepper´s de los Beatles. Además está el tema "malandragem" que fue el hit del disco en Brasil cuando fue publicado, en el 2001.
Con su característica voz de tono más bien grave, pero sensible e intenso cantó temas de muchos artistas locales y también internacionales como ser Nirvana o los ya mencionados (y quizás poco conocidos) Beatles. Lamentablemente a fines del 2001 se retiró definitivamente de la música y del mundo terrenal al morirse aprarentemente por un error médico.


CASSIA ELLER






Cássia Eller - Malandragem




Cássia Eller & Nando Reis - Relicário




Cássia Eller - Vai morar com o diabo





Este post esta dedicado a nuestra querida amiga Virgínia Allan del blog MAR DE HISTORIAS que nos deleita con sus poesias y relatos .
Un abrazo hasta Manaus



NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

lunes, septiembre 20, 2010

LONG JOHN BALDRY - ON STAGE TONIGHT BALDRY'S OUT ( 1993 )




Como figura histórica de la música en Inglaterra, Long John Baldry tiene gran importancia. Cuando comenzó a cantar en su juventud, en los años 50, fue uno de los primeros vocalistas británicos en interpretar folk y blues. A comienzos de los 60 cantó en la Blues Incorporated de Alexis Korner, agrupación que sirvió como punto de partida para futuras estrellas como Mick Jagger, Jack Bruce y Robert Plant entre otros. Como integrante de Blues Incorporated, contribuyó en el primer álbum de blues británico: “R&B at the Marquee” de 1962. Después se unió a The Cyril Davies R&B All Stars, tomando su liderato luego de la muerte de Davies en 1964, cambiando el nombre a Long John Baldry and His Hoochie Coochie Men.
A mediados de los 60, Baldry ayudó a conformar Steampacket, un prototipo de súper grupo que contaba con Rod Stewart, Julie Driscoll y Brian Auger. Cuando esta banda se desintegró, Baldry lideró Bluesology, grupo que presentaba en los teclados a Reg Dwight, quien luego sería conocido como Elton John.
Para esa época Baldry era una figura reconocida en el circuito de Londres, de hecho los Beatles lo invitaron a uno de sus primeros especiales para la televisión británica en 1964, en un momento en que el cuarteto de Liverpool no era tan grande y Baldry era casi desconocido en Inglaterra.
Irónicamente, el gran éxito comercial de Baldry no llegó con el blues sino con las baladas pop orquestadas. Su sencillo de 1967, “Let the Heartaches Begin”, alcanzó el número 1 en Gran Bretaña. También logró otros éxitos a finales de los 60, siendo el principal de ellos “Mexico” en 1968, aunque ninguno de ellos impresionó al público de Estados Unidos. El éxito comercial de sus baladas hizo que Baldry dejara el blues por un tiempo, aunque regresó al género en 1971 con el álbum “It ain’t easy” que contó con la producción de Elton John y de Rod Stewart. Este trabajo presenta un tema que logró alguna aparición en los listados norteamericanos: “Don’t try to Lay No Boogie-Woogie on the King of Rock’n'Roll”.
Rod Stewart y Elton John compartieron nuevamente la producción del álbum que publicó Baldry en 1972, que se llamó “Everything stops for tea”. A pesar de ello, nunca logró tener un reconocimiento internacional.
En 1980 se trasladó a Canadá, donde obtuvo la nacionalidad. Continuó grabando y haciendo voces para comerciales y dibujos animados. Después de luchar durante meses contra una infección en el pecho, Long John Baldry murió el 21 de julio de 2005, en Vancouver



Long John Baldry - On Stage Tonight Baldry's Out  ( 1993 )


Tracklist:

01 - Everyday I Have The Blues
02 - Shake That Thing
03 - Insane Asylum
04 - I'm Read
05 - I'd Rather Go Blind
06 - Baldry's Out
07 - A Thrill's A Thrill
08 - Backwater Blues
09 - It Ain't Easy
10 - Stormy Monday Blues
11 - Don't Try To Lay No Boogie Woogie On The King Of Rock And Roll
12 - Midnight In New Orleans

Line up :


Long John Baldry – vocals, guitar
Kathi McDonald – vocals
Papa John King – vocals, guitar
Butch Coulter – harmonica, acoustic guitar, vocals
John Lee Sanders – keyboards, saxophones, vocals
Eric Webster – piano, hammond organ
Tom Knowles – bass
Al Webster – drums


LONG JOHN BALDRY






Long John Baldry Band - Insane Asylum




Long John Baldry Band - Shake that thang






NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD

sábado, septiembre 18, 2010

LUTHER JAZZ CLUB : GETZ & GILBERTO ( 1964 )



Que tal amigos ! Como ya lo habiamos prometido y dejamos inconcluso por culpa de las vacaciones de invierno que este servidor se tomo ,retomamos las noches de bossa nova que arrancamos con la inigualable Eliane Elias hace un tiempo .En esta oportunidad acercandoles un trabajo fundamental en esta historia ,una fusion de talentos que marco un rumbo a traves de los años venideros ,nos referimos a Stan Getz y Joao Gilberto ,con la participacion de Astrud Gilberto y Tom Jobim .Una delicia amigos .
Aprovechamos para agradecer a nuestro querido amigo Jazzy  del blog MUSICA PARA GATOS  por facilitarnos el material que hoy compartimos con ustedes . Gracias pibe ! jejeje
Un abrazo a todos ,mis queridos amigos en esta noche de sabado en Bs As muy cercana a Rio de Janeiro a traves de la bossa .

Hoy recomendamos : HYPNOTIQUE


 Hypnotique


Ingredientes:
• 60 cc de Curacao
• 1 limón
• 1 cucharada de azúcar

Preparacion:
Cortar el limón en trozos y colocar en un vaso junto con el azúcar. Machacar para mezclar el limón y el azúcar, y luego verter el Curacao. Llenar el vaso con hielo picado y decorar con una rodaja de limón.

Gracias amigos dela pagina  http://www.bebidasytragos.com por el aporte






Si hay un disco que describe en toda su amplitud lo que llegó a ser la bosanova en los años 60, con toda su repercusión mediática y su mezcla exquisita con el jazz más cool, ése es el disco que Stan Getz y Joao Gilberto grabaron en el 63 con canciones de Antonio Carlos Jobim y que tiene por título Getz / Gilberto.
Un disco antológico, perfecto desde el comienzo (Garota de Ipanema) hasta el fin (Vivo sonhando), donde el saxo tenor de Getz suena más emotivo y cálido que nunca junto a la guitarra de Joao, dándole un sabor si cabe más especial a las delicadas composiciones de Jobim, que suenan más espectaculares que nunca.
Principalemente el disco suena a Bossanova, es más, el disco define la perfecta unión entre el jazz y la bossanova, pero también tiene toques de calypso, y de cha cha cha. Un disco que una vez puesto no puede dejar de girar en el reproductor  y sonar hasta el final una y otra vez, porque algo te impide quitarlo, quizás lo majestuoso y cálido que es.
Es una obra maestra que incluye temas como Garota de Ipanema, Desafinado, Corcovado, So danco samba, Vivo Sonhando, Doralice...., todos clásicos de la bossa y el jazz. Además el disco nos descubrió a una delicada y desconocida cantante para la causa de la bossa, la dulce Astrud Gilberto que pone su voz al clásico de la chica de Ipanema y Corcovado. Un disco fantástico y siempre apetecible, que no dejará impasible a nadie
Esta grabación tiene como protagonistas al saxofonista estadounidense Stan Getz, el guitarrista Joao Gilberto, su esposa -en aquel entonces-Astrud y Tom Jobin (estos últimos brasileños). El resultado de “Getz/Gilberto” es una fusión de la bossa nova con el jazz norteamericano, aportado por el elegante sonido del saxo tenor de Getz. Y su gracia fue popularizar este estilo más allá de las fronteras de Brasil, logrando un enorme éxito, materializado en un Grammy al Mejor Album en 1965. Una de las razones de tal éxito fue la presencia de una versión de ‘Garota de Ipanema’, un clásico de la música brasilera. Original de Vinicius de Moraes y del mismo Jobim, esta nueva versión llamada ‘The Girl from Ipanema’, fue interpretada por João y Astrud Gilberto. La delicada voz femenina en Inglés y el solo de saxo en la mitad de la canción cautivó a millones, siendo un hit en la época y merecida de un Grammy por grabación del año.
El disco sirvió también para Stan Getz quien, después de un momento en que las drogas lo tenían fuera de la escena jazzera, se revalorizó gracias a su incursión en la bossa nova. Y Astrud Gilberto fue descubierta como cantante a partir de esta participación (también aparece en ‘Corcovado’) y en adelante sería famosa a nivel mundial por sus interpretaciones, especialmente por aquella ‘Chica de Ipanema’.



 Getz/Gilberto [1964]


Tracks :


1. Girl From Ipanema
2. Doralice
3. Para Machuchar Meu Coracao
4. Desafinado
5. Corcovado (Quiet Nights Of Quiet Stars) -
6. So Danco Samba
7. O Grande Amor
8. Vivo Sonhando (Dreamer)
9. Girl From Ipanema
10. Corcovado (Quiet Nights Of Quiet Stars)

Line up :

Stan Getz - tenor sax
João Gilberto - guitar, vocal
Antonio Carlos Jobim - piano
Astrud Gilberto - vocal
Tommy Williams - bass
Milton Banana - drums


GETZ & GILBERTO







João Gilberto & Tom Jobim - Desafinado ( Algo asi como Lennon & McCartney de la bossa nova )




Astrud Gilberto & Jobim Orchestra - Girl from Ipanema ( La gran voz del Brasil con el tema que la catapulto al estrellato )




Stan Getz - Medley : Desafinado / Girl From Ipanema (La tercera pata de esta historia ,tan importante como la primera )






NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

viernes, septiembre 17, 2010

LUTHER JAZZ CLUB : NICOLE HENRY - TEACH ME TONIGHT ( 2004 )



Que tal amigos ! Gracias por asistir una ves mas a esta cita que tenemos con ustedes los viernes para pasar un momento ameno acompañados por la buena musica .Y para completar la semana con la presencia de las voces femeninas ,hoy les traemos a una cantante de jazz que hace poco tiempo (menos de diez años ) no sabia que rumbo tomar y gracias a la buena estrella que tienen estas almas ,opto por el jazz para regocijo nuestro .
Señoras y señores con ustedes Nicole Henry .
Un abrazo a todos !


Hoy recomendamos para esta noche :

LADY LOVE

    Lady Love

Ingredientes:

• 1 onza de coñac
• 1 onza de oporto
• 1 onza de curacao
• ¼ onza de crema de menta blanca
• ½ onza de jarabe de frambuesa


Preparación:

Preparar en coctelera con hielo. Agitar, colar y servir en copa de coctel con 2 ó 3 cerezas.






Por  2002 la joven Nicole Henry, nacida en Filadelfia, Pensilvania, cursaba los últimos semestres de Arquitectura en la Universidad de Miami. El gusto por el arte le había sido inculcado desde su niñez, debido a que su madre le había enseñado a tocar el piano y la había inscrito en clases de balet y de canto.
A punto de graduarse, Nicole grabó las vocalizaciones para un disco de dance music del productor y DJ Noel Sanger. Poco tiempo después se fue de gira con él, recorriendo diversos clubes y bares de Florida y Missouri. Muy pronto "No greater love", nombre del track que había grabado con Sanger, llegó a las listas de dance music de Billboard y Nicole Henry consideró muy seriamente darle un giro a su vida profesional, y en lugar de ser prácticamente una Don Nadie  con título universitario, le hizo un favor al mundo del jazz y se convirtió en una de las mayores promesas de la escena contemporánea.
El estilo interpretativo de Nicole combina muy bien el soulful, el pop, el R&B y el jazz. Frente a ella, y no es humor negro, palidecen Norah Jones, Diana Krall, Jane Monheit y Stacey Kent. Bueno, ni siquiera Regina Belle o Natalie Cole le llegan a la calidad interpretativa .
Estrictamente éste es su segundo álbum, puesto que "Teach Me Tonight" se publicó exclusivamente para el mercado japonés, donde es admirada con el entusiasmo propio del público nipón. Nicole llamó la atención en el año 2005 cuando publicó su primer álbum The Nearness Of You. En realidad había descubierto su vocación por la música jazz poco antes, cuando el bajista Paul Shewchuk la invitó a cantar algunos temas de jazz junto a su trío en su Miami del alma. Fue entonces cuando se dejó seducir por esa libertad que sólo la música jazz es capaz de proporcionar y decidió abandonar su dubitativa trayectoria de actriz y de cantante de R & B . A partir de ese momento ha desarrollado su carrera como vocalista de jazz por todo el mundo, acumulando premios y reconocimiento internacional gracias a su hermosa voz y a la capacidad que tiene por transmitirnos su filosofía vitalista, su alegría de vivir.
Esta joven cantante con su sonido soulful, con su capacidad y talento para trascender géneros musicales ha transformado la frontera que separa el jazz del RnB en una línea cada vez más difusa. Posee un alma de jazz fresca y vibrante, un fraseo muy personal, una bella voz que combina la fuerza emocional de Anita Baker con el alma suave de Kevyn Lettau , todo ello para crear un nuevo concepto alrededor de los standards de jazz, un nuevo modo de expresar esta música más emotivo... más sexy... más divertido. En este disco vuelve a explorar los repertorios de algunos de los más grandes compositores de jazz del siglo XX, para dar nueva vida a temas como el que da título al disco (que hizo famoso Nat King Cole), "Waters of March" y "All the Way" dos clásicos de Antonio Carlos Jobim -el padre de la bossa nova- o atreverse a versionar "At Last" dándole un toque bluesy que difiere completamente de la interpretación que hiciera en su día la gran Etta James. Como resultado estamos ante un disco romántico, íntimo, incluso divertido en ocasiones.
Con su aplomo, elegancia y estilo sobre el escenario, con su sexy appeal, con su forma de cantar poderosa y plena de emoción que surge de manera sincera de su corazón, contándonos historias reales en clave siempre positiva, ya sea con un pequeño grupo o con toda una Big Band, capta rápidamente la atención de todos los que estamos en la sala y nos transforma de inmediato en sus irredentos fans. Simplemente es magnífica, una estrella en ciernes pero ya rutilante en el firmamento de las vocalistas de jazz.





Nicole Henry - Teach Me Tonight (2004)


Tracks :

01. Lover Come Back To Me
02. Blue Skies
03. Teach Me Tonight
04. Blame It On My Youth
05. I've Got You Under My Skin
06. Angel Eyes
07. Summer Wind
08. Cry Me A River
09. Night And Day
10. You Don't Know What Love Is
11. 'S Wonderful
12. Young At Heart



Line up :

Nicole Henry- Vocal
Eddie Higgins- Piano
Jay Leonhart- Bass
Joe Ascione- Drums


NICOLE HENRY






Nicole Henry - Teach Me Tonight




Nicole Henry - Ain't no way







NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

miércoles, septiembre 15, 2010

PAT BENATAR - TRUE LOVE ( 1991 )




Patricia Mae Andrzejewski nació de una familia de origen polaco e irlandés en Brooklyn, y creció en Lindehurst, Nueva York, inicialmente estudió ópera como su madre. A los 19 años, se casó con su novio de la secundaria, Dennis T. Benatar, de quien tomó el apellido con el cual se hizo conocida. Poco tiempo después se movió a Richmond (Virginia) donde trabajaba como cajera en un banco y por las noches cantaba. Ella y su esposo se mudaron a Nueva York en 1975 donde, poco tiempo después, se divorciaron.
Pat empezó a desarrollar su carrera como cantante y, en 1977, fue descubierta en un concurso amateur de un club de comedia en Nueva York, Catch a Rising Star. Después de su exitosa actuación en el club, Pat Benatar finalmente encontró su personalidad en el escenario en un disfraz de "Halloween", que originalmente utilizó como una broma: "El público siempre era cortés, pero en esta ocasión se volvieron locos", declaró posteriormente Pat Benatar, "Siempre eran las mismas canciones, cantadas de las misma forma, y entonces pensé, 'Oh Dios mío... ¡son estas ropas y este maquillaje!'"; debido a esa actuación, fue contratada por Chrysalis Records por su fundador Terry Ellis.

Posteriormente se casó con el guitarrista de la banda Neil Giraldo (incorrectamente pronunciado como "Geraldo" en los créditos). Con quien tiene dos hijas Haley y Hana.
Pat Benatar es conocida por su actitud dura, habiendo grabado un número significativo de canciones con metaforas de batallas (como "Invincible", "Hit me with your Best Shot", "Sex as a Weapon", "Fight it Out", y "Love is a Battlefield" y algunos temas como el abuso infantil ("Hell is for Children", "Suffer the Little Children".  Ganó cuatro premios Grammy por Mejor desempeño Rock Vocal, Femenino de 1980 a 1983, y fue nominada en cuatro ocasiones adicionales en 1985, 1986, 1988 y 1989.
Pat Benatar todavía compone y sale de gira junto con su marido, también se ha convertido en portavoz comercial de la compañía Energizer. En el verano de 2005 la mayor de sus hijas, Haley Giraldo, protagonizó el reality show del canal E! Entreiment Television llamado Filthy Rich: Cattle Drive.
En 2006 su canción, "We Belong", fue parte de una campaña de 20 millones de dólares para los hoteles Sheraton. Esta misma canción fue interpretada en la comedia de 2006 Pasado de Vueltas protagonizada por Will Ferrell y dirigida por Adam McKay.
La canción "Love Is a Battlefield" fue cantada durante todo el Dignity World Tour 2007-2008 de la cantautora estadounidense Hilary Duff.
True Love es el noveno álbum de Pat Benatar, es un cambio hacia el genero de blues, lanzado en 1991. Alcanzó el puesto 37 en el Billboard 200 de Estados Unidos. Pat Benatar grabó este álbum junto con Neil Giraldo, Myron Grombacher y la sección de trompetas y percuciones del "Roomful of Blues". El álbum incluyo la canción "Please Come Home for Christmas" como un track adicional, el cual fue lanzado para las tropas de Estados Unidos durate la Guerra del Golfo Pérsico. El álbum es una combinación de covers y canciones originales. El álbum termino vendiendo más de 339,000 copias  con poca difusión en la radio. Pat Benatar fue el artista del mes de mayo para VH-1 en 1991 para el soporte del álbum.



 PAT BENATAR - True Love (1991)


 - TrackList:


1. Bloodshot Eyes
2. Payin' The Cost To Be The Boss
3. So Long
4. I've Got Papers On You
5. I Feel Lucky
6. True Love
7. Good Life, The
8. Evening
9. I Get Evil
10. Don't Happen No More
11. Please Come Home For Christmas


Para saber mas de esta magnifica artista date una vuelta por AQUI  ( Gracias Midas )


PAT BENATAR










Pat Benetar - True Love




Pat Benatar - So Long






NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

lunes, septiembre 13, 2010

ETTA JAMES - LIVE FROM SAN FRANSISCO ( 1981 )




Jamestta Hawkins (Los Ángeles, 25 de enero de 1938), más conocida por su nombre artístico Etta James, es una cantante estadounidense de géneros soul y rhythm and blues.
James fue prodigiosa en su tono de voz y esto le permitio convertirse en una cantante de gospel, interpretando en el coro de su iglesia de barrio en Los Ángeles. Empezó a hacer interpretaciones en la radio a los cinco años, bajo la tutela e instrucción del profesor James Earle Hines. Se trasladó a San Francisco en 1950, formando de inmediato un grupo con otras dos cantantes. Cuanto tenía 14 años, presentó su primera audición con el director de orquesta Johnny Otis. Por peticiones de su madre, Etta regresó a Los Ángeles para grabar "Roll With Me Henry" con la banda Otis y el vocalista Richard Berry para la compañía discográfica Modern Records. Otis al trio vocal como Peaches (más tarde, un apodo de Etta). "Dance With Me, Henry" llegó a los primeros puestos de las listas de éxitos en 1955.
The Peaches se disolvió pronto y Etta siguió cantando para Modern Records a lo largo de toda la década de los cincuenta (frecuentemente bajo la supervisión del saxo Maxwell Davis). "Good Rockin' Daddy" fue otro éxito a finales de 1955, aunque otras canciones como "W-O-M-A-N" y "Tough Lover" no lo fueron tanto.
En 1960 comienza a trabajar con la discográfica Chess Records de Chicago, cantando para la subsidiaria Argo. Inmediatamente, su carrera alcazó un nivel altísimo de popularidad; no sólo hizo un par de dúos con su novio (el cantante líder de los Moonglows, Harvey Fuqua), sino que individualmente grabó canciones como la apasionada balada "All I Could Do Was Cry", alcanzando lo más alto de las listas de éxitos de R&B. Leonard Chess entendió a Etta como una cantante clásica de baladas con un potencial añadido para la canción popular, e hizo que la acompañase una orquestación de violines para su grabación de los temas At Last y Trust in me en 1961. No obstante, Etta no abandonó su lado más áspero: en 1962 grabó "Something's Got a Hold on Me", con tonos de gospel, en 1963 un vibrante disco en directo (Etta James Rocks the House) grabado en el New Era Club de Nashville, y en 1966 un dueto blusístico, "In the Basementcon", con su amiga Sugar Pie De Santo.
En 1967 grabó uno de sus temas clásicos, "Tell Mama", una balada soul optimista que contrastaba con otros temas más dramáticos de la misma sesión como "I'd Rather Go Blind". A pesar de la muerte de Leonard Chess, Etta permaneció en la compañía hasta 1975, aproximándose finalmente a la música rock. Tras unos años difíciles, regresó en 1988 con un disco para Island titulado Seven Year Itch, que reafirmó su maestría en el soul sureño. Sus siguientes discos fueron variados, aproximándose tanto a la música más contemporánea (en 1990 con Sticking to My Guns) como a la emotividad más explícita (en 1992 con The Right Time), pasando por algunas aproximaciones al jazz y a la música navideña, como en 1998 con Etta James Christmas.
Sin embargo, esta magnifica cantante, poseedora de un tono de voz inmenso y de una fuerza escénica incomparable, recuperó a partir de la segunda mitad de la década de los ochenta su antiguo esplendor y en 1994, grabó un magnifico homenaje a la cantante, Billie Holiday en su disco para el sello "Private Music" titulado "Mystery Lady" y el mismo año, hizo un disco en directo en San Francisco, extraordinario. Etta James, no ha podido comenzar el siglo XXI de mejor manera, ya que en el año 2001, fue incorporada al prestigioso "Blues Hall of Fame", Olimpo simbólico y honorifico, donde están los mejores bluesman de los Estados Unidos.



Etta  James - Live From San Francisco 1981

Recorded live at the Boarding House, San Francisco, California in March, 1981


Tracks  :

01. I Just Want To Make Love To You
02. Take It To the Limit
03. Baby What You Want Me To Do
04. Sugar On The Floor
05. Tell Mama
06. I'd Rather Go Blind
07. Otis Redding  / Medley
08. Born Blue


Line up :

Etta James- (Vocals);
Brian Ray- (Guitar);
Bobby Martin- (Saxophone, Keyboards, French Horn, Background Vocals);
Keith Johnson- (Trumpet, Keyboards);
Kurtis Teel- (Bass);
Armand Grimaldi- (Drums).


ETTA JAMES





Etta James - I Just Want to Make Love to You - Born to be wi




Etta James - Rock Me baby







NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

viernes, septiembre 10, 2010

LUTHER JAZZ CLUB : JOHNNY HARTMAN - FOR TRANE ( 1972 )



Que tal amigos ! Una ves mas agradecerles por sus amables visitas a este local en donde congenian la musica ,la noche ,los tragos y por supuesto la amistad .
Hoy les traemos a un cantante que tuvo "la mala fortuna" de grabar un disco magnifico de jazz acompañado nada mas y nada menos que por John Coltrane ,porque decimos "mala fortuna" amigos .
Hartman no pudo superar esa obra en su vida y lo persiguio por el resto de su carrera y en este lugar queremos comprobar que la critica se equivoca ( como mas de una ves ) acercandoles  este disco acompañado por musicos japoneses en su etapa de giras por el pais del sol naciente .
Mas adelante y si me lo permiten les treremos el disco en el que ambas leyendas alcanzaron la gloria conformando un trabajo antologico ,pero eso sera mas adelante my friends
Los dejo en compañia del Sr. Hartman ,que lo disfruten ,un abrazo a todos .

Hoy recomendamos en el club :

SARATOGA



       Saratoga

Ingredientes:
• 2 cucharadas de jugo de limón
• 1/2 cucharaditas de azúcar superfino
• 2 gotas de angostura
• Ginger Ale
• Hielo en cubitos

Preparacion:
Agrega el jugo de limón y el azúcar en un vaso alto con los cubos de hielo. Revuelve para mezclar y finalmente agrega ginger ale, si no te gusta mucho la ginger ale puedes utilizar soda bien fría. Decora el vaso con una rodaja de limón.





John Maurice Hartman, verdadero nombre del extraordinario cantante de jazz, Johnny Hartman, tuvo en su época una relativa mala suerte. Protagonista de uno de los mas grandes álbumes de jazz vocal de todos los tiempos junto al genial maestro del saxo, John Coltrane - Impulse! 1963- la calidad del disco le persiguió durante toda su carrera y nunca volvería a grabar un disco mejor.
Aquél álbum, modelo de sintonía entre cantante y acompañamiento - contiene la mejor versión vocal de todos los tiempos del clásico Lush Life - le persiguió durante toda su posterior carrera. Una carrera que comenzaría como cantante de las orquesta de Earl Hines a mediados de los años cuarenta y del trompetista, Dizzy Gillespie en 1947. Desde entonces soportó una carrera errática, fue un barítono intimista que atemperó la escuela del gran Billy Eckstine dedicándose por completo a la balada.  El primer disco a su nombre fue grabado en 1955 para el selecto y pequeño sello "Bethlehem" y se tituló "Songs From the Heart", junto al trompetista, Howard Mcghee. Un titulo que indicaba claramente cual iba a ser su camino. Obligado a lidiar con el recuerdo de su encuentro con Coltrane, algunos de sus discos posteriores fueron no obstante muy buenos y especialmente el magnifico "I Just Dropped Bi To Say Hello" para el sello Impulse también en el año 1963 o el no menos brillante "The Voice That Is! de 1964 también para Impulse!
En cualquier caso, Johnny Hartman, está por derecho propio en lo alto de una de las grande luminarias del jazz vocal y al final de su vida un par de discos con acompañantes sensibilizados por su voz le devolvieron sus virtudes. Johnny Hartman: el de la voz densa y oscura como el chocolate, el amigo de John Coltrane, el reivindicado por Clint Eastwood en Los puentes de Madison. Hartman . Era a un tiempo cantante de canciones (como Cole) y un músico que utilizaba su voz como instrumento (como Hendricks).
No tuvo una carrera especialmente larga ni continuada, especialmente para lo que es el mundo del jazz vocal. Ni siquiera se puede decir que su técnica sea prodigiosa o alabar su versatilidad. Pero tiene algo que le emparenta con el Sinatra de In the wee small hours y Lonley the lonley o con esos cantantes de Soul (como James Carr) que transmiten sin necesidad de apabullar. A veces incluso le escucho y me imagino al hermano negro de Scott Walker. Pero sin empacho de arreglos ni pretensiones melodramáticas. Fue un gigante por un tiempo breve, pero la calidad de aquellos dos discos para Impulse es realmente imborrable.



Johnny HARTMAN - For Trane 1972
Recorded in Tokyo, Japan on November 29 and December 1, 1972.


Tracks :

01. My Favorite Things
02. Violets For Your Furs
03. Nature Boy
04. Summertime
05. Why Did I Choose You
06. The Nearness Of You
07. I'm Glad There Is You
08. On Green Dolphin Street
09. My Funny Valentine
10. Sometimes I'm Happy
11. S'posin'


Line up :

Johnny Hartman- (Vocals);
Terumasa Hino- (Trumpet);
Masahiko Kikuchi, Mikio Masuda- (Piano);
Yoshio Suzuki, Yoshio Ikeda- (Bass);
Hiroshi Murakami, Motohiko Hino- (Drums).


JOHNNY HARTMAN


No pudimos encontrar videos en youtube de este artista ,pero gracias al aporte de un amigo de la casa que nos facilito material de Johnny Hartman de un viejo programa de jazz en Estados Unidos.


video












NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD

miércoles, septiembre 08, 2010

THE BLACK CROWES - WARPAINT LIVE ( 2009 )



Cuando Chris y Rich Robinson, hermanos y residentes en Atlanta, decidieron formar a mediados de los 80 The Black Crowes  el rock, que deambulaba sin rumbo fijo y enfadado consigo mismo, volvió a reconciliarse y a encontrar su sitio. Influenciados por el blues y por la música de los 70 los Crowes recogen el testigo de grupos legendarios como The Rolling Stones, Led Zeppelin o The Faces de Rod Stewart y logran crear un estilo propio con un sonido que hasta entonces muy pocos habían conseguido, sin caer por ello en las imitaciones de sus ídolos. Y aunque al principio su éxito se debió en parte a la versión del tema “Hard To Handle” de Otis Redding, más tarde las canciones de The Black Crowes rebosarán talento y creatividad por todos sus costados, a pesar de los cambios habidos en el grupo y de aventurarse en repetidas ocasiones a la experimentación con otras tendencias musicales, psicodelia incluida. En las canciones de The Black Crowes no encontrarán infinidad de registros vocales ni solos a lo “guitar hero”: esto es rock n´roll en su máxima expresión.
Desde sus comienzos hasta “Warpaint Live”, 2009, décimo en la discografía de los “cuervos negros”, éstos han publicado los álbumes “Shake Your Money Maker”, 1990, “The Southern Harmony And Musical Companion”, 1992, “Amorica”, 1994, avalado por su llamativa portada, “Three Snakes And One Charm”, 1996, “By Your Side”, 1998, “Live At The Greek”, 2000, disco en directo de su periplo como banda acompañante de Jimmy Page, guitarrista de Led Zeppelin, “Lions”, 2001, “Live”, 2002, su primer disco en directo y “Warpaint”, 2008. El vacío musical de la banda desde 2002 hasta 2008 es aprovechado por los Robinson para iniciar sus carreras en solitario. Chris publica “New Earth Mud”, 2002 y “This Magnificent Distance”, 2004 y Rich “Papers”, 2004. En el 2007 devuelven la actividad musical a la banda con una gira por los Estados Unidos , tan solo interrumpida por la grabación de “Warpaint“.
Aunque a los fans de la banda nos hubiera gustado que este fuera el octavo disco de estudio de The Black Crowes, la verdad es que “Warpaint Live” no decepciona. Grabado en Los Ángeles es éste un álbum en el que “Robinsons y Cía” demuestran porqué su directo es considerado de los mejores. En el primer CD repasan todos los temas de “Warpaint”: cortes como el que abre el disco, “Goodbye Daughters Of The Revolution”, “Movin’ On Down The Line” – ambos bien podrían llevar la firma de Jagger o Richards - o la preciosa balada “Oh, Josephine”, harán las delicias auditivas de más de uno, como seguramente más de uno, si no lo era, se hará fan incondicionado de la banda tras escuchar “Locust Street” o “God’s Got It”. Destacar también los cortes “Wee Who See The Deep” o “Evergreen”
En el segundo CD los “cuervos negros” vuelven a reinventarse a si mismos e incluso se atreven a versionar a otros grupos. “Torn And Frayed”, en nada desmerece a la original de los Stones grabada en su LP “Exile On Main Street” o “Poor Elijah – Tribute To Johnson” recogida en el tercer álbum de Delaney & Bonnie (Bramlett), y grabada originalmente por músicos de la categoría de Eric Clapton o George Harrison. La preciosista “Bad Luck Blue Eyes Goodbye”, justifica por sí sola el disco y “Darling Of The Underground Press”, “Don’t Know Why” o “Hey Grandma” más que un relleno pasan a ser el condimento indispensable para un disco perfecto.


The Black Crowes “Warpaint Live” (2009)


Tracks :


Disc 1:

01. Goodbye Daughters of the Revolution
02. Walk Believer Walk
03. Oh, Josephine
04. Evergreen
05. Wee Who See The Deep
06. Locust Street
07. Movin’ On Down The Line
08. Wounded Bird
09. God’s Got It
10. There’s Gold In Them Hills
11. Whoa Mule


Disc 2:

01. Poor Elijah – Tribute To Johnson (Medley)
02. Darling Of The Underground Press
03. Bad Luck Blue Eyes Goodbye
04. Don’t Know Why
05. Torn And Frayed
06. Hey Grandma


PARTE 1

PARTE 2





The Black Crowes - Goodbye Daughters Of The Revolution (Warpaint Live)




The Black Crowes - Oh Josephine (Warpaint Live)





NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

lunes, septiembre 06, 2010

SON SEALS - BOTTOM LINE ( 1978 )



Son Seals nació en Osceola, Arkansas, el 13 de agosto de 1942. Su infancia transcurrio en los pasillos de un club de blues llamado “Dipsy Doodle Club” que regentaba su padre. Era allí donde se entusiasmó por la música viendo tocar a monstruos como Sonny Boy Williamson, Robert Nighthawk o Albert King.
Su primer instrumento fue la batería; pero hacia 1959, su dominio de la guitarra ya le permitía  encabezar una banda con la que tocaba cuatro noches por semana en el “Chez Paris Club” de Little Rock (Arkansas). Sin embargo, los fines de semana, se colocaba tras la batería para acompañar a cualquiera que actuase en el negocio familiar. En 1963, Son Seals, viajó a Chicago para visitar a una de sus hermanas. En Chicago se encontró con un viejo amigo, el guitarrista Earl Hooker, que le propuso encabezar a su banda Earl's Roadmasters y abrir el show para él. Pero a los seis meses, Son Seals decidió regresar a Little Rock y retomar su propia banda.
En 1966 Albert King, otro viejo amigo de la familia, se encontró con él y le propuso unirse a su banda pero como batería para dar una gira por California. Son Seals aceptó e incluso llegó a participar en el mítico disco “Live Wire/Blues Power” de Albert King que se grabó en Junio de 1968 en el Fillmore Auditorium de San Francisco. Después de esto, el delicado estado de salud de su padre le obligó a regresar a Osceola y durante los siguientes tres años se limitó a tocar regularmente por clubs de la zona.
Tras la muerte de Jim Seals en 1971, su hijo  decidió trasladarse definitivamente a Chicago e instalarse cerca de su hermana, en el lado sur de la ciudad. Una vez allí, se movió por varios clubs y una vez, tocando en uno de ellos, quizo la fortuna que entre el público se encontrase Wesley Race, un entusiasta del Blues con buenos contactos y mejor oído. A Race no le hizo falta mucho para darse cuenta de las posibilidades del muchacho y en el momento álgido de una de sus actuaciones se dirigió hacia el teléfono. Race sabía perfectamente a quien debía de llamar.
Pocas semanas después el propietario de Alligator Records habló con Son Seals para que grabase un disco y antes de que finalizase el año (1973) salió a la luz “The Son Seals Blues Band”. Aquel primer álbum de Son Seals fue grabado totalmente en directo, en tan sólo dos noches y con una produccion austera .
Por no decir inexistente, pero le valió para llamar la atención a la prensa. El álbum reflejaba fielmente su talento y puesto que tuvo buena acogida, hizo que la carrera de Son Seals tuviera un ascenso espectacular hasta el día de su muerte.Tan brillantes eran sus intervenciones guitarrísticas que merecieron el calificativo de “inflamables”. Incluso Bill Clinton lo invitó a actuar en un par de ocasiones en la Casa Blanca.
Los últimos años de Son Seals fueron particularmente difíciles y llenos de contratiempos. Al incendio de su casa y al robo de una buena parte de sus preciadas guitarras hay que sumarle los dos tiros que le descerrajó la mandíbula a cuenta de un arma de fuego disparada por su propia esposa, madre de sus 14 hijos, de la cual después se divorció.
Aunque se recuperó con éxito de ese desgraciado episodio, acaecido en 1997, dos años después entró de nuevo en el quirófano. A Son Seals tuvieron que amputarle la pierna izquierda a causa de la diabetes que venía padeciendo desde hacía años. Esto no le impidió continuar con su carrera y llegó a lanzar un par de álbumes más: “Lettin’ Go” en el año 2000 y “Deluxe Edition” en el 2002.
Dos meses después de su última aparición pública, la diabetes puso fin a sus días. Era el 20 de diciembre de 2004. Son Seals tenía 62 años.
              
      "Si de verdad quieren hacer algo que tenga sentido, deselo todo usted mismo. Yo trato de hacerlo cada vez que subo al escenario".
                                            Son Seals



Son Seals Blues Band - Bottom Line, 1978 (Bootleg)

Tracks :


01. Hot Sauce 5:00
02. Sitting At My Window 7:05
03. Look Now Baby 7:24
04. Telephone Angel 6:58
05. On My Knees 10:38
06. Stormy Monday 4:00
07. Mother-In-Law Blues 7:26
08. Sweet Little Angel 1:52
09. The Woman I Love 3:54
10. Everyday I Have The Blues 3:52

Line up :

Frank 'Son' Seals - Guitar & Vocals
Lacy Gibson - Rhythm Guitar
Snapper Mitchum - Bass
Tony Gooden - Drums
and
Johnny Winter - Guitar & Vocals



Recorded live at Bottom Line, New York, NY., January 10, 1978


PARTE 1

PARTE 2






 Son Seals - Think  You're Foolin


video







NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

viernes, septiembre 03, 2010

LUTHER JAZZ CLUB : NORAH JONES - LIVE IN NEW ORLEANS ( 2002 )



Que tal amigos ! Volvimos a nuestra cita de los viernes que ya extrañabamos  por cierto ; como es el primer viernes de septiembre y antes de su visita a la Argentina esta artista se quizo pegar una vuelta por el club jeje.
Nos referimos a Norah Jones  ,una cantante y compositora que ultimamente se ha desplazado al mundo del pop ,pero que sus inicios estubieron  marcados por  el jazz .
Que pasen una buena noche ,un abrazo a todos .

Hoy recomendamos :

MARTINI ROSSO ON THE ROCK

      
    Ingredientes :

  Martini Rosso
  Hielo

 Preparacion :

Llenar el vaso con hielo ,servir el Martini Rosso ,tomar una rodaja de naranja y
dejar caer dentro del trago





Gethali Norah Jones Shankar (nacida el 30 de marzo de 1979) mejor conocida como Norah Jones
Es una cantante y pianista estadounidense. Su voz cálida e íntima, su sencillez y un enorme talento ha enamorado a medio mundo y con su primer disco “Come Away With me” ha conseguido vender más de 20 millones de copias y 8 premios Grammy y hasta la fecha la cantante lleva más de 39 millones de copias vendidas en todo el mundo. Su música combina elementos de jazz, soul y country . El 30 de marzo de 1979, un año después de romperse la relación entre el maestro indio del sitar, Ravi Shankar, y la enfermera Sue Jones, nació la pequeña Norah.
Norah y su madre vivieron en Nueva York hasta que la niña cumplió cuatro años. Entonces se mudaron a Grapevine (cerca de Dallas, Texas), donde vivió hasta los veinte. En su casa nunca faltaron discos de los clásicos del blues y del jazz: Billie Holiday, Etta James, Aretha Franklin, Ray Charles, Bill Evans, Joni Mitchell... A la influencia musical materna hay que sumar la que recibió de su abuela, una apasionada del recio country de los outlaws, desde Hank Williams a Willie Nelson. Norah empezó a estudiar canto y se sumó al coro de la iglesia para cantar gospel, al tiempo que iniciaba las clases de piano y saxofón (a los siete). Estaba lejos de ser una alumna modelo: era bastante vaga y dejó el estudio varias veces. Sin el esfuerzo de su madre, su abuela, y sus profesores Renetta Frisque y Julie Bonk, probablemente hubiese abandonado el camino musical.
Cuando creció se matriculó en una escuela de artes y nunca faltaba en las actuaciones para cumpleaños y concursos musicales. Su primer contacto con el jazz lo tuvo en Dallas, al ingresar en su adolescencia en el Instituto Broker T. Washirable. En 1996 y 1997 ganó varios premios de interpretación y composición para estudiantes. Al finalizar el instituto entró en la Universidad de North Texas, donde estudió piano y teoría en el programa de jazz. Allí se especializó en teclado de jazz y formó su primer grupo. De ahí pasó a tocar el piano y cantar regularmente en un restaurante italiano.
Con veinte años cumplidos, Norah volvió a Nueva York para unas breves vacaciones y ya no quiso volver a Texas, para disgusto de su madre. Poco antes había tomado contacto con un grupo de músicos de aquella ciudad y quedó alucinada. Una vez en “La gran manzana”, pronto hizo pie en el fértil circuito de garitos de conciertos de Greenwich Village y colaboró con diversas bandas. Durante dos años se ganó la vida cantando en salones de jazz, almuerzos y happy hours, muchas veces ante menos de quince personas y cobrando sólo de las propinas que les daban los parroquianos. Sin embargo, en esa época supo que quería vivir de cantar en vivo y que iba a hacer todo lo posible por lograrlo. Abandonó la universidad, empezó a escribir sus propias canciones, formó parte del combo de funk fusion, Wax Poetic, y finalmente montó su propio grupo con el bajista Lee Alexander, el guitarrista y compositor de Don’t Know Why, Jesse Harris, y el baterista Dan Rieser. Por esa época se estabilizó como cantante en el club nocturno The Living Room. En uno de esos conciertos la escuchó Shell White, miembro de la discográfica EMI, una noche del año 2000. Le gustó lo que oía y le pidió un demo con sus canciones. Éste se lo llevó a su amigo Bruce Lundvall, director de Blue Note, el reputado sello de jazz. Y acertó, porque esa compañía estaba en la búsqueda de nuevos artistas.
La propuesta de Norah no podía ser más tentadora: una voz joven y sugerente, plena de cálida sensualidad, cantando casi como si desvelara algún íntimo secreto. Lundvall la contrató con haber escuchado apenas tres canciones de ese cassette y le encargó al productor Craig Street que trabajara el material de Norah y la rodeara con instrumentistas de lujo. El resultado, mucho más pop que la versión final, no convenció a nadie y Lundvall le encargó a su productor estrella, Arif Mardin, una nueva versión, que se concentrara en la voz. El paquete estaba listo y Come Away With Me, su debut discográfico, salió a la venta en febrero de 2002, sin campañas masivas, ni un hit agresivo sonando en todas las radios. Sin embargo, el boca a boca hizo su trabajo y el disco se empezó a vender cada vez más. Para el otoño ya había sobrepasado el millón de copias vendidas y todos estaban maravillados. También se convirtió en platino en Holanda, Australia, Portugal y Hong Kong; doble platino en Gran Bretaña, Irlanda y Singapur; y quíntuple platino en Nueva Zelanda. El total de ventas alrededor del mundo sobrepasa los 18 millones de copias. Además, fue la gran triunfadora de la 45 edición de los Grammy entregados en 2003, con sus ocho estatuillas ganadas, incluidas mejor álbum, canción, disco del año y mejor artista novel, siendo la gran sorpresa de la noche ya que prácticamente le arrebató 3 estatuillas de la mano a Eminem, incluido el de disco del año, ya que según las apuestas favorecían al rapero.



Norah Jones - Live In New Orleans ( 2003 )


Tracks :


1. Cold, Cold Heart
2. Nightingale
3. One Flight Down
4. Seven Years
5. Feelin the same way
6. Comes Love
7. Something is Calling you
8. Come Away with me
9. What am I to you
10. Painter Song
11. Lonestar
12. I've got to see you again
13. Bessie Smith
14. Don't know why
15. Tenessee Waltz


Line up :


Norah Jones - vocals, piano, Wurlizter
Adam Levy - guitar, backing vocals
Lee Alexander - bass
Andrew Borger - drums
Daru - backing vocals


NORAH JONES

Norah Jones llega a la Argentina para presentar su cuarto álbum "The Fall" en el Luna Park  ,el dia 8 de noviembre a las 20.30 hs


Norah Jones - I've Got To See You Again, Live in New Orleans




Norah Jones - Come away with me , Live in New Orleans






NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .

miércoles, septiembre 01, 2010

TOM WAITS - LIVE AKRON OHIO ( 2006 )



Nacido en Pomona (California), en diciembre de 1949, Tom Waits ha cimentado su propia leyenda al margen de las requisitorias del mercado, con una discografía espaciada pero certera.
Desde su disco debut, Closing time (1973), impuso un estilo: sobre un fondo de blues, cantar historias de hombres trasnochados que pasaban su tiempo en bares o con prostitutas. Al oír aquellas primeras grabaciones, se tiene la sensación de estar acodado en la barra de un bar, mientras Waits desgrana sus melodías solitarias al piano o acompañado por una guitarra.
En The heart of saturday night (1974) ahondaba en la propuesta del debut con temas lentos mitad cantados, mitad hablados. La voz cascada comenzó a insinuarse en su tercer disco, Nighthawks at the dinner, que fue grabado con público en el estudio para simular un show en vivo. De hecho, entre canción y canción, se puede oír la voz de Waits farfullando unas palabras introductorias o alguna broma fuera de lugar. En Small change (1977) ya es posible reconocer ese vozarrón hecho a fuerza de tabaco y alcohol en temas sobresalientes, como "The piano has been drinking" y "Bad liver and a broken heart". Por otra parte, el sonido del disco marca una diferencia con sus trabajos anteriores, al incorporar elementos del jazz. Algo similar ocurriría cuando puso en la calle Blue Valentine, que tenía como estrella principal a la guitarra eléctrica, ausente hasta entonces en sus discos.
En 1980, Tom Waits es convocado por Francis Ford Coppola para escribir la música de One from the heart. Ese vínculo con el director de El Padrino le permitió a Waits, además de hacerse de un amigo y de adquirir una disciplina de trabajo, conocer a Kathleen Brennan, quien hasta el día de hoy es su mujer. Asimismo, se le abrió al músico un nuevo campo de trabajo: el cine. Waits participó en los films The outsiders, La ley de la calle y Drácula, bajo las órdenes de Coppola, así como en Bajo el peso de la ley, de Jim Jarmush, y Pescador de ilusiones, de Terry Gilliam, entre muchos otros. Hasta llegó a filmar su propia película, Big time, basada en uno de sus conciertos. Por su parte, la unión con Brennan sería muy fructífera en la vida de Waits, puesto que juntos compusieron una gran cantidad de canciones que formaron parte de sus discos.
Hacia 1983, Tom Waits abandonó Asylum y firmó contrato con Island Records. Su primer álbum para el nuevo sello es, tal vez, uno de los más extraños de su carrera, Swordfishtrombones (1983). Guitarras distorsionadas y una mayor presencia de la percusión definen hasta cierto punto lo que Waits dio en llamar la "Orquesta de junkies". A este álbum, le siguieron otros igualmente complejos, Rain dogs (1985) y Frank's wild years (1987). Para compensar, con el comienzo de los '90, su disco Bone machine recibió la atención de la crítica, que lo coronó con un Grammy. En 1994, grabaría un álbum junto al escritor beatnik William S. Burroughs, cuyo título fue The black rider.
Ya en 1999, tras cinco años de silencio, Waits regresó con Mule variations, a la altura de sus mejores producciones. Entrado en el nuevo milenio, el músico editó un álbum doble en 2002, que se vendió por separado, Alice y Blood money. Escritas junto a su esposa, Kathleen Brennan, las canciones de estos discos fueron compuestas originalmente para dos piezas teatrales del dramaturgo Robert Wilson. En 2004, Waits lanzó un nuevo disco, Real gone, donde incursiona en el gospel, sólo que pasado por el tamiz de su carraspera. 2006 fue el año de lanzamiento de Orphans y tres años después apareció Glitter and Doom Live.


  Tom Waits - Live in Akron Ohio (2006)


 Tracks :

01. Make It Rain
02. Shore Leave
03. Falling Down
04. Tango Until They Are Sore
05. Tom Traubert's Blues
06. Eyeball Kid
07. Murder in the Red Barn
08. Trampled Rose
09. Bottom of the World
10. Til the Money Runs Out
11. Get Behind De Mule


TOM WAITS


Tom Waits - Make It Rain




Tom Waits - Get behind the mule






NO TE OLVIDES DE AVISAR POR LINKS CAIDOS QUE SIN NINGUNA MOLESTIA DE NUESTRA PARTE LO RESUBIREMOS A LA BREVEDAD .